Курсовая работа: Понятия и классификации музеев на примере наиболее известных музеев Франции

Курсовая работа: Понятия и классификации музеев на примере наиболее известных музеев Франции

Содержание

Введение

1.  Музеи как объекты научного исследования

1.1  Понятие «музей»

1.2  Классификация музеев

1.3  История возникновения музеев

2.  Музеи Франции

2.1 Лувр

2.2 Музей импрессионизма

2.3 Музей д’Орсэ

2.4 Версаль

2.5 Национальный центр искусств имени Жоржа Помпиду

2.6 Военный музей в Доме Инвалидов

2.7 Фонтенбло

Заключение

Список использованной литературы

Введение

Объектом исследования в данной работе являются музеи в целом, но подробно рассматриваются музеи Франции. Рассмотрение данной темы считается актуальной, так как именно музеи Франции составляют наибольший интерес для современного общества как объекты туризма.

Вообще, Франция сама по себе представляет огромный интерес для туристов. Эта страна находится на западе Европы – самого крупного туристского региона мира. Она имеет исключительно выгодное туристско-географическое положение, омывается несколькими морями и имеет большую протяжённость границ с другими экономически развитыми странами – туристскими державами. Климат Франции в целом благоприятный в туристском отношении, природа – многолика. Страна славится своей архитектурой, искусством, особое место занимает виноделие, но главным достоинством Франции по праву считаются её великолепные музеи, которые известны во всём мире. Эти музеи, со своей прекраснейшей архитектурой и великими произведениями искусства представляют огромный интерес для изучения.

Целью выполнения работы является изучение понятия и классификации музеев, а также подробное рассмотрение наиболее известных музеев Франции как объектов туризма.

Исходя из этого, в процессе работы, будут стоять следующие задачи:

1)  изучение понятия «музей»

2)  изучение классификации музеев и истории их возникновения

3)  рассмотрение наиболее известных музеев Франции

4)  выявление причин, по которым музеи Франции составляют интерес для общества как объекты туризма.

1.  Музеи как объекты научного исследования

1.1  Понятие «музей»

Современная музееведческая мысль разработала целый ряд определений музея, что связано как с различными исследовательскими подходами специалистов, так и с разнообразием целей и задач, ради которых создаётся дефиниция. Например, в Российской музейной энциклопедии феномен музея рассматривается М.Е. Каулен и Е.В. Мавлеевым с философских позиций: музей — это «исторически обусловленный многофункциональный институт социальной памяти, посредством которого реализуется общественная потребность в отборе, сохранении и репрезентации специфической группы природных и культурных объектов, осознаваемых обществом как ценность, подлежащая изъятию из среды бытования и передаче из поколения в поколение, — музейных предметов».

В Федеральном законе «О Музейном фонде Российской Федерации и музеях в Российской Федерации» (1996) музей определён как «некоммерческое учреждение культуры, созданное собственником для хранения, изучения и публичного представления музейных предметов и коллекций». В международной практике обычно используется определение, выработанное Международным советом музеев (ИКОМ), согласно которому музей — это «постоянное некоммерческое учреждение, призванное служить обществу и способствовать его развитию, доступное широкой публике, занимающееся приобретением, хранением, исследованием, популяризацией и экспонированием материальных свидетельств о человеке и его среде обитания в целях изучения, образования, а также для удовлетворения духовных потребностей».

Между тем подход к музею как к научно-исследовательскому и культурно-просветительному учреждению, вполне закономерный и удобный в социально-организационной сфере культуры, оказывается недостаточно продуктивным для проведения аналитических или прогностических исследований, поскольку он не позволяет выявить природу музея и его обусловленность той средой, в которой он возник, существует и развивается. «Учрежденческий» подход к музею уже не вполне соответствует и современным реалиям музейной практики. Поэтому многие исследователи используют в качестве аналитической абстракции представление о музее как о социокультурном институте.

Социокультурный институт не сводится к наличию учреждений или организаций, занимающихся отведённой им деятельностью, хотя именно они-то и обнаруживают его присутствие в обществе и культуре. Социокультурный институт обязательно включает также носителей (кадры), соотнесённых с его целями, определённые «блоки» деятельности, её результаты и связанные с ней отношения; кроме того, ему присуща система функций, которые соотносят его с другими сферами культуры и общества. Попытаемся более конкретно рассмотреть структурные элементы музея как социокультурного института.

Основу музея составляют вещи как предметы культуры: он их собирает, хранит, изучает и экспонирует, раскрывая заложенный в них информационный и эмоциональный потенциал. В качестве вещи может выступать не только артефакт, но и природный объект, имеющий музейное значение и в силу этого неизбежно становящийся объектом культуры. По образному выражению М.С. Кагана, «вещь имеет "двойное подданство" — она есть природно-материальный и одновременно культурный объект». Вещи обладают не только объективно присущими им характеристиками, но и социально значимой информацией, ведь в них зафиксированы, или «опредмечены», знания человека, его представления, опыт, цели, желания, воспоминания и т. п. Именно со «сверхприродным» качеством вещей заключать в себе социокультурный смысл, служить человеку его собственной проекцией, выступать символом абстрактных понятий, идей или же иного «невидимого мира» связан такой специфический вид деятельности человека, который словацкие музееведы З. Странский и А. Грегорова обозначили понятием «музейное отношение к действительности». Суть его состоит в том, что на определенной ступени своего развития человек осознал, что некоторые предметы, даже утратившие свою изначальную функцию, надо собирать, хранить, выставлять и пр., поскольку они представляют для него и для общества определённую ценность.

Дело в том, что реальный жизненный опыт человека естественным образом ограничен пространственно-временными рамками его бытия. Поэтому человек нуждается в дополнении непосредственно получаемых сведений той информацией, которую он может только представить себе. В «музейном отношении» человека к действительности культура обрела одну из уникальных возможностей беспредельно расширять человеческий опыт, раздвигая не только временные, но и пространственные его границы путем непосредственного контакта человека с вещами как «опредмеченной» культурой. При этом вещи способны не только служить обретению реального опыта минувшего, но и выступать в качестве посредников в общении с отдалёнными во времени или пространстве культурами, поддерживать связь между «видимым» и «невидимым» мирами, из которых и состоит для человека универсум.

Постепенно в культуре назрела потребность в общественной интерпретации «говорящих» вещей и в общедоступных формах общения по этому поводу, что привело к обособлению и самоопределению той деятельности, которая заключалась в выявлении, сохранении, изучении и экспонировании предметов культуры как носителей культурных ценностей и социокультурных смыслов. Она стала осуществляться в рамках специальных, организационно оформленных структур и называться «музейной деятельностью». Иными словами, дальнейшее развитие «музейного отношения» человека к действительности привело к появлению специализированного учреждения — музея, выполняющего ряд функций по отношению к культуре, обществу и человеку.

Таким образом, музей в качестве социокультурного института интегрирует в себе: «сверхприродные» качества самого человека, проявляющиеся в его особом, «музейном» отношении к миру; различные виды, способы и механизмы деятельности, направленной на сохранение и актуализацию культурных ценностей; продукты этой деятельности, их потребление человеком, в процессе которого он меняется, развивается, интеллектуально обогащается; учреждение как организационно оформленную структуру для осуществления этой деятельности.

Специфику музея, отличающую его от других институтов культуры, определяет своеобразие музейной деятельности, в основе которой лежат музейные предметы, подлинные элементы невидимого мира, лежащего за границами того конкретного опыта, который аккумулирован в реальном существовании отдельного индивида и человечества в целом. В отличие от систем образования, архивов и библиотек, способствующих преодолению узости границ конкретного человеческого опыта путём предоставления вербальной информации, музейный показ апеллирует прежде всего к зрительному восприятию, которое непосредственно погружает человека в ситуацию общения с подлинностью бытия.

1.2  Классификация музеев

Классификация музеев

Каждый из музеев уникален и неповторим. И вместе с тем в составе их собраний, масштабе деятельности, юридическом положении и других характеристиках есть некоторые сходные черты, которые позволяют распределять всё многообразие музейного мира на определённые группы, иными словами, осуществлять классификацию.

Одной из важнейших категорий классификации является профиль музея, то есть его специализация. Основополагающим признаком классификации здесь выступает связь музея с конкретной наукой или видом искусства, техникой, производством и его отраслями. Эта связь прослеживается в составе фондов музея, в тематике его научной, экспозиционной и культурно-образовательной деятельности. Например, исторические музеи связаны с системой исторических наук, хранящиеся в их фондах музейные предметы позволяют воссоздавать историю и образ жизни ушедших эпох или недавнего прошлого.

Музеи одной специализации, то есть одного профиля, объединяются в профильные группы: естественнонаучные музеи, исторические музеи, художественные музеи, архитектурные музеи, литературные музеи, театральные музеи, музыкальные музеи, музеи науки и техники, промышленные музеи, сельскохозяйственные музеи, педагогические музеи. В зависимости от структуры профильной дисциплины или отрасли знаний эти основные профильные группы делятся на более узкие. Исторические музеи делятся на:

• общеисторические музеи (широкого профиля);

• археологические музеи;

• этнографические музеи;

• военно-исторические музеи;

• музеи политической истории;

• музеи истории религии;

•историко-бытовые музеи, воссоздающие или сохраняющие картину быта различных слоёв населения, при этом в отличие от этнографических музеев они документируют не этнические, а социально-психологические особенности быта, которые наиболее ярко проявляются в интерьерах жилищ;

•монографические музеи, посвящённые конкретному лицу, событию, учреждению, коллективу;

•прочие исторические музеи;

Художественные музеи делятся на:

•  музеи изобразительного искусства (национального и зарубежного);

•  музеи декоративно-прикладного искусства;

•  музеи народного искусства;

•  монографические;

•  прочие художественные музеи.

Естественнонаучные музеи делятся на палеонтологические, антропологические, биологические (широкого профиля), ботанические, зоологические, минералогические, геологические, географические и прочие музеи.

Существуют музеи, собрания и деятельность которых связаны с несколькими научными дисциплинами или отраслями знаний. Их называют музеями комплексного профиля. Самыми распространёнными среди них являются краеведческие музеи, сочетающие как минимум историческую и естественнонаучную специализацию, ведь их собрания документируют не только историю, но и природу края. В них нередко создаются художественные и литературные отделы, что еще более усложняет их профиль.

Комплексным профилем обладают и музеи-ансамбли, созданные на основе памятников архитектуры, их интерьеров, окружающей территории и различных сооружений. В зависимости от характера ансамбля они могут быть историко-художественными, историко-архитектурными, историко-культурными музеями.

Наряду с профильной классификацией используется и не совпадающее с ней типологическое деление музеев. Существует типология по признаку общественного назначения музеев, в соответствии с которой они делятся на научно-исследовательские, научно-просветительные и учебные музеи.

Научно-исследовательские музеи функционируют при научно-исследовательских институтах и академиях наук, в состав которых они обычно входят в качестве структурных подразделений. Их фонды используются в научных целях, а экспозиции ориентированы прежде всего на специалистов.

К самому распространенному типу относятся научно-просветительные музеи. Они тоже занимаются исследовательской работой, но поскольку ориентированы прежде всего на массового посетителя, их фонды широко используются в культурно-образовательных целях. В их деятельности большое внимание уделяется созданию экспозиций, выставок и различных культурно-образовательных мероприятий.

Главное назначение учебных музеев — обеспечить наглядность и предметность процессу образования и подготовки кадров. Этот тип музеев существует, в основном, при различных учебных заведениях и специальных ведомствах. Кроме традиционного экскурсионного показа учебные музеи широко используют специфические формы и методы работы с коллекциями: демонстрация отдельных музейных предметов на лекциях, научное описание и обработка материалов полевых исследований во время практических занятий, копирование произведений изобразительного искусства. В отдельных случаях фонды и экспозиции учебных музеев могут быть недоступны для массового посетителя. Таковы, например, некоторые музеи криминалистики системы Министерства внутренних дел.

Типология по признаку общественного назначения музеев носит достаточно условный характер, и жёсткой грани между названными типами не существует. Научно-просветительные музеи используются в учебном процессе, а их собрания — в научных целях. Многие научные и учебные музеи посещают не только учащиеся и специалисты, но и широкая публика.

Существует и другая типология музеев, в соответствии с которой выделяют музеи коллекционного типа и музеи ансамблевого типа. В её основе лежит деление по такому признаку, как способ осуществления музеями функции документирования. Музеи коллекционного типа строят свою деятельность на основе традиционного собрания вещественных, письменных, изобразительных материалов, соответствующих их профилю. Таким образом, функцию документирования они осуществляют путем комплектования и сохранения фонда музейных предметов. В основе деятельности музеев ансамблевого типа лежат памятники архитектуры с их интерьерами, прилегающей территорией, природной средой. Функцию документирования они выполняют путём сохранения или воссоздания ансамбля недвижимых памятников и присущего им окружения. Наиболее распространённые формы этого типа музеев — музей под открытым небом, дворец-музей, дом-музей, музей-квартира, музей-мастерская.

Среди музеев под открытым небом существует особая группа музеев, которые создаются на основе недвижимых памятников, музеефицированных на месте их нахождения с сохранением или восстановлением историко-культурной и природной среды. Ввиду особой ценности они имеют статус музеев-заповедников.

Особую типологическую группу образуют и мемориальные музеи, создающиеся с целью увековечить память о выдающихся людях и событиях.

Типология по признаку осуществления функции документирования тоже носит в известной мере условный характер, поскольку коллекционные музеи могут находиться в архитектурных памятниках, сохраняемых в исторической неприкосновенности, а музеи-ансамбли не ограничивают свою деятельность только сохранением памятников архитектуры, но и создают профильные коллекции.

Как профильная классификация, так и типология направлены на выявление групп сопоставимых музеев. Это позволяет координировать работу музеев одного профиля или одного типа, выявлять закономерности их развития, способствовать большей эффективности музейной деятельности в целом.

Существуют и другие принципы классификации, не совпадающие ни с профильным делением, ни с типологией. В основе классификации музеев может лежать административно-территориальный признак, в соответствии с которым различаются республиканские, краевые, областные, районные музеи. По принадлежности (юридическому положению) музеи делятся на государственные, общественные и частные.

Государственные музеи являются собственностью государства и финансируются из государственного бюджета. Вместе с тем существует значительная группа государственных музеев, которые подчиняются не органам управления культурой, а различным министерствам и ведомствам, решая поставленные ими задачи. Это так называемые ведомственные музеи; они финансируются из государственного бюджета через Министерство финансов и соответствующие ведомства.

К категории общественных музеев относятся музеи, созданные по инициативе общественности и действующие на общественных началах, но под научно-методическим руководством государственных музеев. Финансируют общественные музеи те учреждения, при которых они созданы. До 1978 г. в значении «общественный музей» использовался термин «народный музей».

Общественные музеи создаются при органах культуры, в школах, учреждениях, организациях, на предприятиях; они выполняют те же социальные функции, что и государственные музеи. Независимо от профиля их деятельность имеет чаще всего краеведческую направленность, в фондах преобладают материалы, собранные на территории района и связанные с местной историей. В собрании общественных музеев могут быть и памятники, имеющие большую научную, художественную и мемориальную ценность.

Ещё один вид музеев – это частные музеи, то есть музеи, в основе которых лежат собрания, принадлежащие частным лицам, но доступные для изучения и осмотра.

1.3  История возникновения музеев

Художественные музеи — одно из самых замечательных достижений человеческой цивилизации. Они хранят и делают доступными людям уникальные творения человеческого духа.

История возникновения художественных музеев восходит к древности. Слово «музей» происходит от греческого «mouseion», что означает «храм муз». Первый Мусейон был основан в Александрии Птолемеем I приблизительно в 290 году до н.э. и имел статус учебного заведения. В него входили жилые комнаты, столовые помещения, обсерватория, библиотека, ботанический и зоологический сады. Мусейон располагал медицинскими и астрономическими инструментами, чучелами животных, а также статуями и бюстами, которые использовались во время обучения. Работа Мусейона, в отличие от других научных школ, финансировалась государством: учёные и педагоги получали в нём жалование. Главный жрец, первое лицо «храма муз», назначался самим Птолемеем. Мусейон располагал уникальной библиотекой: к I в. до н. э. она насчитывала более 700 000 рукописей. Приблизительно в 270 г. н. э. Мусейон был уничтожен вместе с большей частью Александрийской Библиотеки.

Аналогом художественных музеев в античной Греции были храмы. По традиции в храмах богов и муз располагались статуи, картины и другие произведения искусства, посвящённые этим богам или музам. Античные храмы богато украшались мозаиками и фресками. Позднее, уже в античном Риме, к этому добавились картины и скульптуры, расположенные в городских садах, римских банях и театрах. Доступ в эти места имел любой горожанин: таким образом, художественные произведения ещё в ту пору были доступны самой широкой публике.

Прообразами частных собраний во времена античности были виллы богатых и знатных людей. Вниманию именитых гостей часто представлялись произведения искусства, захваченные во время войн и привезённые хозяевами из победоносных походов. Войны в те годы играли значительную роль в распространении художественных образцов разных стран по всему миру. Так, римский император Адриан распорядился создать копии тех произведений искусства, которые он видел в Греции и Египте. Вилла Адриана, одна из самых роскошных вилл своего времени, богатством и разнообразием украшающих её произведений не уступала многим современным музеям.

В средние века хранителями произведений искусства — ювелирных украшений, статуй, древних манускриптов — были храмы и монастыри. Начиная с VII века, в них также выставлялись для обозрения предметы, захваченные в войнах. В военные годы эти собрания служили для оплаты выкупов: таким образом, состав коллекций постоянно менялся, то пополняясь, то уменьшаясь. Так, сокровища Кафедрального собора Нотр Дам в Реймсе всецело зависели от удачи французской армии в ведении войны.

Систематическое коллекционирование предметов искусства началось в эпоху Возрождения: именно в этот период зарождается современный облик художественного музея, а само слово приобретает современное значение. Одним из крупнейших меценатов и покровителей искусства того времени был правитель Флоренции Лоренцо Медичи, получивший прозвище Лоренцо Великолепный. Поэт-гуманист, он был большим знатоком античной древности, ценителем и собирателем античных гемм и монет. Известно, что он являлся первым покровителем Микеланджело: по заказу Медичи молодой скульптор выполнял копии античных скульптур для его сада около Сан-Марко.

Сами же музеи стали создаваться только в XVI— XVIII веках. Первым, кто определил художественное значение музея, был французский художник Жак Луи Давид. К членам Конвента он обратился с такими словами: «Не заблуждайтесь, граждане! Музей вовсе не бесполезное собрание предметов роскоши и суетности, служащее лишь к удовлетворению любопытства. Надо, чтобы музей сделался школой большого значения: преподаватели поведут туда своих юных учеников, отец поведёт туда сына. Молодой человек при виде произведений гения почувствует, к какому виду искусства или науки призывает его природа!»

История создания старейших художественных музеев, таких как Уффици, Прадо, Лувр и др. восходит к XVI веку. При строительстве дворцов стали специально планировать помещения для коллекций картин, скульптур, книг и гравюр. К этому же времени относится появление первых учреждений музейного типа — галерей, «кунсткамер», «кабинетов». Последние отражали интерес к познанию мира, свойственный тому времени. Стремясь сосредоточить в них всё богатство природного мира, дополненное творениями рук человеческих, владельцы «кабинетов» преследовали, как правило, одну цель — удовлетворение собственных познавательных интересов. Наряду с «кабинетами» и «кунсткамерами» в Европе в XVI-XVIIвеках получили большое распространение частные художественные коллекции, которые, как правило, отражали интересы и художественный вкус их владельцев — представителей знати и богатых буржуа. Многие закрытые, частные собрания становятся доступными для обозрения. Так, Франческо I Медичи открыл для публики собственную коллекцию произведений искусства, разместив её в здании, построенном Дж. Вазари в 1584 году (ныне галерея Уффици). В 1739 году последняя представительница династии Медичи Мария Людовика передала коллекцию в государственное владение.

В XVIII веке публичные музеи становятся неотъемлемой частью общественной жизни. В 1750 году в Париже картины в Люксембургском дворце были два дня в неделю разрешены для публичного показа, в первую очередь студентам и деятелям искусства: позднее они были переданы в коллекцию Лувра.

Первым музеем нового типа стал Британский музей в Лондоне. Он был открыт в 1753 году, но для его посещения необходимо было письменно зарегистрироваться. Первым большим публичным музеем стал Лувр: он был открыт для широкого посещения в 1793 году. Формирование основных европейских музеев завершилось в XIX веке, когда они стали доступны для широкой публики: Музей истории искусств в Вене, Национальная галерея и Галерея Тейт в Лондоне, Старая и Новая Пинакотеки в Мюнхене и др.

Структура, организация и деятельность современного музея определяется, прежде всего, характером собрания. Основные задачи научной деятельности музеев — изучение и систематизация коллекции — находят отражение в публикации полных каталогов произведений, хранящихся в музее, а также других научных и научно-популярных изданий. Художественные музеи практикуют также выставочную деятельность, обмен показами произведений искусства из своих коллекций в рамках культурного обмена. Просветительская деятельность художественных музеев выражается в проведении экскурсий, лекций, лекториев.

Художественный музей, как комплекс специально оборудованных помещений и научно-вспомогательных отделов, включает в себя экспозиционные залы, запасники (хранилища фондов), выставочные залы, реставрационные мастерские, научную библиотеку и пр. Экспозиция музея строится, как правило, по хронологии и по национальным школам искусства. В некоторых музеях экспозиция строится частично или полностью по отдельным коллекциям, поступившим от владельцев в дар или на временное хранение.

Первыми зданиями, предназначавшимися специально для размещения коллекций, были главным образом дворцовые галереи. К XIX веку сложился тип музейного здания, в котором залы располагались либо анфиладой, либо вокруг 1-2 внутренних двориков. В XX веке при строительстве зданий художественных музеев стали активно применять новые архитектурные решения, позволяющие более органично связывать их со спецификой коллекции, национальными традициями, климатическими условиями. Нередко часть экспозиции (в основном скульптуру) выносят за стены музея, размещая её на открытом воздухе. Общая черта архитектуры современных художественных музеев — гибкость использования внутреннего пространства, возможность трансформации основных помещений.

Художественный музей — универсальное средство межчеловеческого общения, поскольку язык искусства понятен всем. С целью поддержки и развития деятельности музеев в 1947 году была создана международная организация ICOM (InternationalCouncilofMuseums). Эта организация, включающая в себя белее 7000участников из 119 стран мира, тесно сотрудничает с UNESKO идругими международными организациями. ICOM собирается каждые три года в одной из стран-участниц.

2.  Музеи Франции

2.1 Лувр

Комплекс дворцовых зданий, вошедший в историю под названием Лувр, сооружался на протяжении многих веков. Некогда на этом месте простирался лес, и полагают, что слово «Лувр» произошло от слова Louverie (лат.Luparia) — «Волчий» лес (лат. lupus — волк).

Исторически Лувр возник в конце XII века как одна из парижских крепостей, его здание и стоит как раз на месте крепости, воздвигнутой Филиппом Августом около 1190 года. В XIII веке крепость была перестроена королем Карлом V, а уже к XIV веку здесь возвышалась не одна крепость, а целая цепь башен. Древнейшая из них служила надёжной тюрьмой и самой надёжной королевской сокровищницей. Так сложился средневековый замок: массивные круглые башни с зубчатым верхом, мощные стены с небольшими оконными проёмами, стрельчатые своды...

Изменения в первоначальную постройку были внесены при Франциске I (1515-1547). Король, проживающий в основном в Фонтенбло, где находилась и его коллекция живописи, пожелал, тем не менее, сделать и из парижской резиденции «дворец-удовольствие». В 1528 г. он приказал снести старинный донжон, т.е. центральную башню замка XIII в. Основа плана (4 крыла, окружающие квадратный двор) осталась без изменений, но средневековое сооружение превратилось в ренессансный дворец. Сначала Пьером Леско было перестроено западное крыло (скульптурный декор выполнен Жаном Гужоном). Изысканный фасад со стороны внутреннего двора и Зал кариатид, который впервые использовали в 1558 г., по случаю бракосочетания дофина Франциска с Марией Стюарт, остаются зримым свидетельством строительной инициативы Франциска I, осуществлённой уже в правление Генриха II (1547-1559). Начиная с 1566 г. в том же стиле перестраивалась южная сторона двора и было добавлено совершенно новое крыло в центре (будущая Малая Галерея), расширившее дворец к югу, в направлении Сены. В 1563 г. Екатерина Медичи, в то время королева-регентша, поручила ФилиберуДелорену возвести второй дворец в пятистах метрах к западу за стенами Лувра, отделявшими его от города,– на земле, принадлежавшей королевским черепичным заводам (по-французски – tuilerie, откуда и берёт своё название Тюильри).

В 1670-е гг. строительство Лувра было прервано в связи с возведением новой великолепной королевской пригородной резиденции — Версаля. В 1682 г. сюда вместе с Людовиком XIV (1643— 1715) переехал и французский двор. Из Лувра в Версаль переместились многие художественные коллекции французской короны, украсившие собой многочисленные дворцовые залы, галереи и личные апартаменты монарха. Но Лувр не опустел, поскольку к тому времени он успел превратиться в один из центров художественной жизни Франции. Еще на рубеже XVI —XVII вв. по указу Генриха IV на нижнем этаже Большой галереи поселились умелые живописцы, скульпторы, ювелиры, часовщики. В Лувре были созданы ковровые мастерские, чеканились монеты и медали, а с 1640 г. стали печататься книги. После отъезда королевского двора в Версаль в Лувре обосновались Академия живописи и скульптуры, Академия архитектуры, Академия наук, а предоставление квартир и мастерских во дворце превратилось в традиционную систему поощрения членов академий.

Таким образом, Лувр перестал быть символом монархии. Однако в течение XVIII в. покинутый дворец получил иное и не менее содержательное значение. Среди учреждений, занимавших здания Лувра, были и многочисленные королевские Академии. В 1699 г. Королевская академия живописи и скульптуры получила у Людовика XIV разрешение использовать Большую галерею для показа публике работ её мастеров. Выставка имела огромный успех. Начиная с 1725 г. (и вплоть до 1848 г.) такие выставки проводились регулярно в конце Большой галереи – в Большом Салоне (его также называют Квадратный Салон), от которого они и получили своё название «Салон». Назначением дворца стало служение культуре. В Большой галерее до 1777 г. (до перевода во Дворец Инвалидов) размещались знаменитые карты городов Франции, а в смежном помещении располагалось королевское собрание рисунка. Кроме этого, огромный «караван-сарай», каким выглядел Лувр, использовался многими художниками под мастерские, посещаемые толпами клиентов и просто любопытных. Не удивительно, что в статье о Лувре в «энциклопедии» Дени Дидро было высказано в 1756 г. предложение использовать Лувр для показа королевских коллекций широкой публике (не только картин и скульптуры, но также фондов по естественной истории, медалей и украшений, а также упомянутых выше планов городов) и для постоянного местонахождения Академий. Лувр должен был стать дворцом искусств и наук, чтобы достойно служить идеалу прогресса, провозглашённому приверженцами Просвещения.

Уже в 1750 г. под давлением общественного мнения были сделаны два шага в этом направлении. Возобновилась работа над обветшавшими зданиями Лувра: правда, ограничилась она только обновлением фасадов, выходящих на Квадратный двор (эту работу провёл Жак Анж Габриэль), а также частичной расчисткой двора и созданием террасы напротив Колоннады. Вторым шагом стала демонстрация в Люксембургском дворце королевского собрания живописи, большая часть которого долгое время была недоступна для широкой публики.

Статус музея Лувр получил благодаря графу д’Анживийе, предприимчивому директору дворцовых зданий в период правления Людовика XVI, проводившему также политику активного пополнения королевской коллекции. Наибольшее внимание было уделено планам преобразования Большой галереи, включая устройство верхнего освещения (впервые опробованного в Квадратном Салоне в 1784 г.), установку больших статуй в честь выдающихся людей и сооружение монументальной лестницы, ведущей в Квадратный Салон. Однако перед открытием музея разразилась Революция 1789 г. Когда Лувр, получивший после Революции наименование «Главный Музей Искусств», открыл наконец свои двери 10 августа 1793 г., экспозиция музея располагалась в той же Большой галерее, порядком обветшавшей и вышедшей из моды. Её интерьер, вначале лишь немного отремонтированный, получил совершенно новое оформление при Наполеоне, в период Первой Империи (1805-1810), когда Шарль Персье и Пьер Фонтен, опираясь на старые замыслы Юбера Робера, возвели арки с перекладинами и частично – верхнее освещение. На первом этаже, где размещались апартаменты Анны Австрийской, в Зале кариатид и в южном крыле Квадратного двора, к этому времени вновь отремонтированных, разместились античные коллекции.

Это была блестящая эпоха – эпоха Музея Наполеона, некогда эфемерная музейная мечта, которой суждено было стать прообразом для многих музеев XIX столетия.

В период Первой Империи произошли существенные изменения. Были закончены работы в Квадратном дворе, напротив входа в императорскую резиденцию Тюильри соорудили Триумфальную арку и, самое главное, была продолжена работа над «большим планом» (granddessein) Генриха IV – с севера, вдоль новой улицы Риволи началось возведение крыла, которым предполагалось связать (симметрично Большой галерее) Тюильри и Лувр.

В период Реставрации династии Бурбонов (1814-1830) для Лувра наступили тяжёлые времена. В 1815 г. многие его шедевры покинули Париж, вернувшись на родину. Затем последовал короткий, но очень плодотворный период новых поступлений, особенно в коллекции древностей, скульптуры и прикладного искусства – objetsd’art. На втором этаже южного крыла Квадратного двора, в «Музее Карла X», потолки которого украшены очень интересными сюжетными росписями, было создано помещение для египетской коллекции. В царствование Луи-Филиппа (1830-1848), в связи с широкомасштабными архитектурными работами по созданию Музея Истории Франции в Версале, великолепные экспонаты Испанской галереи Версальского дворца были выставлены в Лувре. После революции 1848 г. часть их была продана на Лондонском аукционе.

Вторая Республика (1848-1852) и Вторая Империя (1852-1870) ознаменовались новым всплеском архитектурной и музейной деятельности. Лувр, получивший в 1848 г. название Дворец народа, был полностью отремонтирован и переоборудован. Архитектор Дюбан завершил отделку ряда фасадов, придал монументальный облик Квадратному Салону и Салону семи каминов, закончил оформление Галереи Аполлона, центральную часть которой расписал Эжен Делакруа (1851). В новых крыльях разместились министерские учреждения, дополнившие те, что находились в императорской резиденции в Тюильри.

Наполеон III лично следил за завершением этого проекта, принимал решения по планам, разработанным Луи Висконти. Последние вошли составной частью в проект реконструкции Парижа, ответственным за который был барон Ж.Э. Османн. Реконструкция была призвана заново подчеркнуть престиж всемогущего государства. К северу, вдоль улицы Риволи, дворец был замкнут крылом, протянувшимся от Тюильри к Квадратному двору. Обширный прямоугольник получил наконец своё завершение. Новые симметричные крылья были выстроены во внутренних дворах, став обрамлением Двора Наполеона, который открывался теперь на запад, ко Двору Каррузель, расчищенному от полуразвалившихся жилых домов.

Новые постройки к северу предназначались для размещения двора и административных учреждений. На южной стороне к музею были добавлены большие новые галереи с верхним освещением на втором этаже. Работа продвигалась быстро под наблюдением Висконти, а после его смерти, последовавшей в 1853 г., под руководством Гектора Лефюэля; торжественное открытие императором «Нового Лувра» состоялось в 1857 г. Продолжалась работа в интерьерах: музейные экспозиции размещались в новых зданиях; реставрировалась восточная часть Большой галереи, треть которой была в трещинах; перестраивался Павильон Флоры, горельефы для него выполнил Жан Батист Карпо (1863-1866). В самом музее, в разных его отделах проводилась классификация коллекций, пополнившихся многочисленными новыми поступлениями.

За эрой «изобилия» последовала катастрофа. В мае 1871 г., в последние дни Коммуны, дворец Тюильри охватил пожар. Примыкавший к нему музей едва избежал разрушения. И хотя дворец Тюильри можно было восстановить, этот символ ненавистного режима Наполеона III в 1883 г. был разобран. Его разрушение привело к образованию между Павильоном Марса и Павильоном Флоры свободного пространства, благодаря которому сегодня перед нами открывается уникальная перспектива, простирающаяся с востока на запад и завершающаяся вдали Триумфальной аркой на площади Этуаль.

Как только Лувр перестал быть местопребыванием власти, его судьба была определена. Одно за другим административные помещения дворца переходили к музею; появилась возможность продолжить размещение значительно выросших коллекций и их экспонирование. Сначала были заняты Государственные залы Наполеона III, в 1905 г. Музею декоративных искусств отданы Павильон Марса и примыкавшее к нему крыло, а в 1969 г. – Павильон Флоры.

Рост музея в послевоенные годы и необходимость обновления экспозиции натолкнулись на ограниченные возможности старого здания, не отвечавшего современным требованиям показа коллекций и обслуживания посетителей. В 1981 году по инициативе президента Франсуа Миттерана началась работа над проектом «Большой Лувр», реализация которого должна была существенно расширить экспозиционное пространство и создать новый вход в музей. Проект выполнил американский архитектор китайского происхождения Й. Мин Пэй, и в 1983 году начались строительные работы. Первый этап проекта включал создание новой подземной зоны приёма посетителей. В качестве основного функционального центра музея Й.М. Пэй выбрал Двор Наполеона, посредине которого он спроектировал подземный вестибюль, накрытый стеклянной пирамидой с изящным металлическим каркасом. Высота пирамиды – 22 метра, длина стороны – 30 метров; она окружена бассейнами и фонтанами, а рядом с ней находятся 3 более низких пирамиды, дающие свет, в музейные галереи. Кроме вестибюля, в котором находятся различные службы музея (кассы, гардероб, кафе и прочее), под пирамидой расположены конференц-зал, выставочный зал и залы, посвящённые истории дворца. Во время строительных работ под Квадратным двором были раскрыты фундаменты, часть стен и помещений крепости, построенной в конце XII в. Филиппом Августом. Этот комплекс, получивший название Средневековый Лувр, стал новым подразделением музея.

Проект создания Пирамиды обсуждался долго и оживлённо. Торжественно открывшаяся 30 марта 1989 г., она до сих пор вызывает противоречивые отклики: её называют и «вставной челюстью», и шедевром архитектуры XX столетия. За кажущейся простотой Пирамиды кроется большое архитектурное и технологическое мастерство. Для создания высокоэффективных материалов специалисты провели сложнейшие расчёты, разработали специальные технологии для металлических конструкций — треугольных и ромбовидных стеклянных пластин. Новые способы плавки применялись для получения очень прозрачного стекла, которое не желтеет под воздействием солнца и времени.

18 ноября 1993 г. Франсуа Миттеран торжественно открыл ещё одно здание Лувра — корпус Ришелье. Он никогда не был частью музея: на протяжении более чем ста лет в нём размещалось Министерство финансов. С присоединением этого здания Лувр получил более 21 тыс. кв. м дополнительной площади. Реконструкция корпуса Ришелье составляла основное содержание второго этапа реализации проекта «Большой Лувр». Сохранив без изменений первоначальный внешний вид здания, его фасады и крыши, Мин Пэй перестроил все интерьеры, за исключением жилых покоев Наполеона III. Перекрыв сводчатыми застеклёнными крышами три внутренних дворика, он превратил их в дворики скульптуры, что позволило воспринимать произведения пластики в соответствующем для них окружении. При этом размеры стальных ферм перекрытий были рассчитаны таким образом, чтобы тень не падала на скульптуры.

Смелость отличала и цветовое решение новых экспозиционных залов. Фоном для произведений искусства стал не традиционный белый цвет стен, а тёмно-зелёные, винно-красные, мягкие серые и другие тона, выбор которых определялся не задачами декоративного оформления, а стремлением выявить и подчеркнуть наиболее существенные характеристики экспонатов. Например, в цветовом решении залов с французской ренессансной скульптурой предпочтение отдано красновато-коричневым тонам, поскольку на их фоне белые мраморные скульптуры приобретают особую теплоту и одухотворённость. Весьма удачным оказалось и решение Й.М. Пэем проблемы освещения. В новых залах естественный свет падает на стены и при необходимости может быть дополнен искусственным освещением, создаваемым при помощи укреплённой под потолком специальной крестообразной конструкции. Такое освещение придаёт живописи большую отчётливость и особую мягкость, а сами конструкции являются частью декоративного оформления зала.

В настоящее время Лувр занимает огромную территорию — 18 гектаров. По богатству и художественной значимости собрания картин, скульптур, гравюр, рисунков, гобеленов, изделий из слоновой кости, фарфора, керамики и бронзы Лувр по праву относится к самым выдающимся музеям мира.

Например, в Лувре выставлено зеркало в раме, украшенной изумрудами. Это был свадебный подарок Марии Медичи от Венецианской республики. Заглядывая в него, можно представить, что увидишь в нём не свое отражение, а лицо королевы, каким его изобразил великий Рубенс.

Среди драгоценных камней Лувра находится и знаменитый алмаз «Регент» (137 каратов). Он был найден в 1700 году в Индии, в копях Голконды. Нашедший алмаз невольник-индиец сделал себе на бедре рану и в ней под повязкой спрятал драгоценный камень. Свою тайну он открыл одному матросу, пообещав тому камень взамен за своё освобождение от рабства.

Заманив невольника на корабль, матрос отнял у него алмаз, а самого беднягу выбросил за борт. Камень затем матрос продал за тысячу фунтов стерлингов английскому губернатору форта святого Георга Питту, чьё имя и закрепилось как второе название алмаза — «Питт». Но полученные деньги вору-матросу не пошли впрок: быстро промотав их, он впоследствии повесился.

Согласно другой версии, губернатор Питт в 1701 году приобрёл алмаз у некоего Яхмунда за 312 тысяч франков. Герцог Орлеанский, который в то время был регентом Франции (отсюда и другое название алмаза) купил этот камень уже за 3375 тысяч франков для Людовика XV. В 1792 году алмаз вместе с другими драгоценностями короны исчез при разграблении дворца Тюильри, где эти драгоценности хранились. Позже он каким-то загадочным образом возвратился обратно.

Однако Французская республика нуждалась в деньгах и вскоре заложила алмаз богатому московскому купцу Трескову. Вернуть алмаз во Францию смог лишь генерал Бонапарт, который приказал вправить его в эфес своей шпаги. Можно сказать, что алмаз «Регент» помог Наполеону надеть императорскую корону: в 1799 году он заложил его, чтобы совершить переворот 18 брюмера. В 1886 году при аукционной распродаже алмазов французской короны только историческая ценность спасла «Регент» от публичных торгов, и отныне он хранится в Лувре.

Самым старинным в Лувре является «Зал кариатид». В нём проходили радостные и печальные церемонии, праздновалась свадьба Марии Стюарт, здесь же Мольер впервые показал одну из своих пьес королевскому двору. Четыре прекрасные женские фигуры (кариатиды) созданы безрукими в подражание античным находкам. Опираясь на одну ногу, они сохраняют легкий готический изгиб, щедрые драпировки подчинены античной ясности в композиции.

В основу отдела Древнего Египта положены находки первой научной экспедиции в Египет, сопровождавшей Наполеона в его египетском походе. Открытие в Лувре египетского зала относится к 1826 году, а первым хранителем его был Жан-Франсуа Шампольон, расшифровавший египетские иероглифы. Сейчас грандиозное собрание египетских древностей занимает 20 залов, в которых размещены как колонны и заупокойные капеллы, так и изящные ювелирные украшения.

Здесь и утончённо-изящная бронзовая статуэтка царицы Карамамы (IX век до н. э.), и знаменитый на весь мир «Сидящий писец» с сиянием инкрустированных глаз, и незабываемый полихромный рельеф с изображением фараона Сети I, принимающего ожерелье от богини Хатор.

По количеству залов и расположенных в нём экспонатов с отделом Древнего Египта соперничает отдел Древнего Востока. Особенно пополнился этот зал в результате французских раскопок, начавшихся в 1881 году. С невольным благоговением останавливаются посетители перед подлинным монолитом чёрного базальта с клинописными начертаниями «Свода законов царя Хаммурапи» (XVIII век до н. э.).

В Отделе античного искусства выставлена знаменитая на весь мир Венера Милосская. Она была случайно обнаружена на острове Милос в 1820 году греческим крестьянином Георгески. С целью выгодно продать свою находку Георгески до поры до времени спрятал античную статую в загоне для коз. Здесь её и увидел молодой французский офицер Дюмон-Дюрвиль. Образованный офицер, участник экспедиции на острова Греции, он сразу оценил хорошо сохранившийся шедевр. Бесспорно, это была греческая богиня любви и красоты Венера. Тем более что она держала в руке яблоко, врученное ей Парисом в известном споре трёх богинь.

Крестьянин запросил огромную цену за античный шедевр, но у Дюмон-Дюрвиля таких денег не оказалось. Однако он понимал подлинную цену статуи и уговорил крестьянина не продавать Венеру, пока он не раздобудет нужную сумму. Офицеру пришлось отправиться к французскому консулу в Константинополь, чтобы уговорить его купить статую для французского музея.

Но, возвратившись на Милос, Дюмон-Дюрвиль узнал, что статуя уже продана какому-то турецкому чиновнику и даже запакована в ящик. Её вот-вот должны были увезти. За огромную взятку Дюмон-Дюрвиль вновь перекупил Венеру. Её срочно положили на носилки и повезли в порт, где швартовался французский корабль.

Буквально сразу же турки хватились пропажи и настигли поклажу со статуей. В завязавшейся потасовке Венера несколько раз переходила от французов к туркам и обратно. Во время этой схватки и пострадали мраморные руки Венеры. Корабль со статуей вынужден был срочно отплыть, а руки Венеры были оставлены в порту. Они не найдены и до сих пор.

Картинная галерея Лувра, даже взятая в отдельности, могла бы стать музеем мирового значения. Здесь собраны великие произведения величайших живописцев — Франсиско Гойи, Рафаэля, Делакруа, Рубенса, Рембрандта («Купание Вирсавии»). Эжен Делакруа в процессе своих творческих исканий ездил в Лувр, как он сам говорил, «посоветоваться с Рубенсом».

Подробнее хотелось бы остановиться на картинах великого мастера Леонардо да Винчи. Жемчужиной Лувра является его всемирно известная картина «Джоконда». Художник писал по заказу флорентийского банкира Франческо дель Джокондо портрет его жены Моны Лизы. Была ли она красива? Что можно сказать об этом сейчас, глядя на бессмертное творение великого гения? Наверное, многие женщины во Флоренции были красивее её. Но вполне развившаяся фигура её была совершенна, особенно совершенной формы были её выхоленные руки. И что было в ней замечательно, так это простота и естественность, разлитые во всём её облике. «Нельзя допустить, чтобы эта модель скучала во время сеансов, — подумал Леонардо. — Тогда ничего не получится, кроме мёртвенной передачи более или менее сходных с оригиналом черт лица».

И тогда великий художник прибег к следующему приёму: во время писания портрета он приглашал музыкантов, которые играли на лире и пели, и шутов, которые должны были постоянно поддерживать в ней весёлое настроение, чтобы скука и меланхолия не исказили прекрасные черты её лица.

Но есть также и другие версии по поводу этого бесспорно великого произведения мастера, которые характеризуют его как самое загадочное из всех произведений мировой живописи. Необъяснимое очарование некрасивой в общем-то женщины, скрытая жизнь, которая протекает в недрах полотна, заставляя изображенное лицо непрерывно меняться, - все здесь исполнено тайны. Искусствоведы объясняют изменение впечатления от картины заметной асимметрией губ и глаз модели, умело просчитанным художником эффектом зрительного восприятия. Неясен и сюжет: женщина как бы парит над странным, серебристо-голубым «лунным» пейзажем. Неизвестно, в сущности, даже её имя. Описанный Джордже Вазари портрет Лизы дель Джокондо, над которым Леонардо работал в 1503-1506 гг., совсем не похож на луврское полотно (да и почему оно не было отдано заказчику?). На роль Джоконды исследователи предлагали разные кандидатуры: и Изабеллу д'Эсте, и Констанцию д'Авалос, но самым смелым было предположение, что на картине изображен... сам Леонардо в неожиданном травестированном обличье.

Над этим сравнительно небольшим портретом Леонардо да Винчи проработал четыре года. «Мне удалось создать картину действительно божественную», — так отзывался сам мастер о своём произведении.

...А 22 августа 1911 года «Джоконда» пропала из Лувра. В 13 часов дня, когда музей открыли для посетителей, её на месте не оказалось. Среди работников Лувра началось смятение. Посетителям было объявлено, что музей закрывается на весь день ввиду аварии водопровода.

Явился префект полиции с отрядом инспекторов. Все выходы из Лувра были закрыты, музей стали обыскивать. Но проверить старинный дворец французских королей площадью в 198 квадратных метров за одни сутки невозможно. Однако к концу дня полиции всё же удалось обнаружить на площадке маленькой служебной лестницы застеклённый корпус и раму от «Моны Лизы». Сама же картина прямоугольник размером 54х79 сантиметров — исчезла бесследно.

«Утрата «Джоконды», — это национальное бедствие, — писал французский журнал «Иллюстрасьон», — так как почти наверняка тот, кто совершил это похищение, не может извлечь из этого никакой выгоды. Нужно опасаться, что он, в страхе быть пойманным, может уничтожить это хрупкое произведение».

Журнал объявил награду: «40 000 франков тому, кто принесёт Джоконду» в редакцию журнала. 20 000 франков тому, кто укажет, где можно найти картину. 45 000 тому, кто вернёт «Джоконду» до 1 сентября».

Первое сентября прошло, но картины не было. Тогда «Иллюстрасьон» опубликовал новое предложение: «Редакция гарантирует полную тайну тому, кто принесёт «Джоконду». Ему выдадут 45 000 наличными и даже не спросят имени».

Но никто не пришёл.

Проходил месяц за месяцем. Всё это время портрет прекрасной флорентийки лежал спрятанный в куче хлама на третьем этаже большого парижского дома «Сите дю Герон», в котором жили итальянские рабочие-сезонники.

Потом прошло ещё несколько месяцев, год, два... Однажды итальянский антиквар Альфредо Джери получил письмо из Парижа. На плохой школьной бумаге неуклюжими буквами некто Винченцо Леонарди предлагал антиквару купить исчезнувший из Лувра портрет Моны Лизы. Леонарди писал, что хочет вернуть на родину одно из лучших произведений итальянского искусства. Это письмо было отправлено в ноябре 1913 года.

Когда после долгих переговоров, переписок и встреч Леонарди доставил картину в Галерею Уффици во Флоренции, он сказал: «Это хорошее, святое дело! Лувр битком набит сокровищами, которые принадлежат Италии по праву. Я не был бы итальянцем, если бы смотрел на это с безразличием!»

К счастью, два года и три месяца, которые «Мона Лиза» провела в плену, не отразились на картине. Под охраной полиции «Джоконда» выставлялась в Риме, Флоренции, Милане, а потом после торжественной церемонии прощания отбыла в Париж.

Следствие по делу Перуджи (такова настоящая фамилия похитителя) шло несколько месяцев. Арестованный ничего не скрывал и рассказал, что периодически работал в Лувре стекольщиком. За это время он изучил залы картинной галереи и познакомился со многими музейными служащими. Он откровенно заявил, что давно уже решил украсть «Джоконду».

Перуджи плохо знал историю живописи. Он искренне и наивно считал, что «Джоконду» увезли из Италии во времена Наполеона. А между тем Леонардо да Винчи сам привёз её во Францию, выкупив её у прежнего владельца за счёт французского короля. Картина была королевской собственностью до революции 1789 года, а потом стала достоянием нации.

Однако «патриотические» убеждения обвиняемого сразу померкли, когда выяснилось, что в прошлом он уже привлекался полицией за попытку воровства. Да вдобавок за свою «любовь к Италии» требовал полмиллиона франков. И всё же приговор суда был довольно мягкий: один год и пятнадцать дней тюрьмы с уплатой судебных издержек.

Следующая, из наиболее известных картин Леонардо – это «Тайная вечеря». В этой картине уродливое, антигуманистическое, отрицательное начало в образе Иуды впервые включается в большую многофигурную композицию, построенную по законам гармонии и красоты, взрывает мир этически прекрасных образов апостольского братства; оно оказывается беспомощным перед злодеянием предательства. Сила драматического столкновения, глубина психологической характеристики, совершенство композиции и пластической выразительности делают леонардовскую «Тайную вечерю» одним из самых великих произведений мирового искусства.

А в «Святой Анне с Марией и Младенцем Христом» художник возвратился к пирамидальной композиции, в которую вписал фигуры пленительно-загадочных персонажей, окружив их условным пейзажем. Художник вложил в них немало труда, добиваясь идеальной гармонии и цельности. В результате появился синтез личных переживаний и красоты. Леонардо увязал с мотивом преемственности поколений даже ритм композиции и чисто формальную последовательность расположения трёх фигур. Интерпретация в духе теологического символизма (Святая Анна – олицетворение победоносной Церкви и надежды на спасение – удерживает порыв Мадонны, стремящейся уберечь Младенца от предназначенных ему страстей) далеко не исчерпывает эстетический и образный потенциал картины. Зигмунд Фрейд предложил её психоаналитическую интерпретацию, основанную на детском сне Леонардо (будущему художнику приснилось, что гриф хлещет его по губам хвостом), который будто бы бессознательно воплотился в композиции (и действительно, синий плащ Богоматери напоминает силуэт грифа).

2.2 Музей импрессионизма

Весной 1874 года семеро малоизвестных тогда художников, чьи картины отвергались официальным художественным Салоном, устроили в центре Парижа собственную выставку. Очень разные, они были объединены идеей искать свою правду в искусстве, невзирая ни на какие трудности. За плечами у них лежали долгие годы упорного труда и борьбы в одиночку, годы лишений и невзгод. Большинство из них были настолько бедны, что часто нуждались в обыкновенном куске хлеба. Они не имели даже денег, чтобы снять помещение для своей выставки. На помощь пришёл фотограф Надар — один из немногих их парижских друзей, он предоставил им для экспозиции свою мастерскую.

Публика ходила на эту выставку лишь для того, чтобы посмеяться. «Чрезвычайно комическая выставка!», «Сумасбродство!», «Страшная мазня!» — такими выражениями пестрели статьи в газетах и журналах.

Сейчас их имена знает весь мир. Это были Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писарро, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Поль Сезанн, Берта Моризо — те, кого мы называем импрессионистами.

...Музей импрессионизма разместился в скромном двухэтажном здании в самом центре Парижа — на террасе парка Тюильри. Шумный город живёт в двух шагах отсюда, а здесь всегда царят тишина и какое-то особое благоговение. Вековые деревья берегут покой невзрачного с виду домика, который в соседстве с роскошными дворцами кажется ещё невзрачнее. Да и название у него такое старинное и старомодное — «Зал для игры в мяч». Здание это было построено в период Второй империи. В те годы среди французской буржуазии были широко распространены аристократические обычаи, в число которых входила и старинная игра в мяч. Однако в конце XIX века игра эта была вытеснена теннисом, а здание стали использовать для устройства временных выставок.

Кроме того, «Зал для игры в мяч» прочно связан и с французской историей. В 1789 году в этом зале собрались депутаты Генеральных штатов, чтобы объявить себя Национальным собранием и дать клятву не расходиться до тех пор, пока не будет выработана Конституция.

В годы Второй мировой войны здесь разместилась контора нацистов, в которую со всех районов оккупированной Франции поступали захваченные немцами произведения искусства. После окончания войны в этом здании разместилась служба по возвращению похищенных сокровищ.

Музей импрессионизма был открыт только в 1947 году, а в 50-е годы он был отреставрирован и переоборудован. На первом этаже Музея разместилась коллекция произведений Эдуарда Мане, среди которых находятся и две его прославленные работы — «Завтрак на траве» и «Олимпия». Именно они вызвали в своё время целую бурю негодования среди парижских мещан и обывателей.

Но сначала была написана картина «Лола из Валенсии». В то время в Париже выступала балетная труппа Мадридского королевского театра, и особенным успехом пользовалась прима-балерина Лола. Поэты посвящали ей стихи, писатель и композитор Захария Астрюк написал в её честь романс. Для обложки его Эдуард Мане сделал рисунок, который и послужил основой для будущей картины.

«Лола из Валенсии» была необычным портретом. Художник изображает балерину не на сцене, не в момент выступления, а за кулисами на фоне декораций. Уже одним этим он даёт понять, насколько мало занимает его внешняя парадность: Человек — вот что ищет он прежде всего. Человеческое лицо, глаза, улыбка — вот чему была посвящена его страстная, свежая живопись. Краски его картин были чисты, благородны и свежи.

«Лолу из Валенсии» французский поэт Шарль Бодлер назвал «сокровищем в розово-чёрном мерцании». Действительно, цвет играет огромную роль в портретах Э. Мане, именно цветом привлекает он внимание к испанской танцовщице. Белое марево кружев, сквозь которое просвечивают чёрные волосы, голубой платок и розовые рукава кофты, пышная юбка с разбросанными по чёрному фону красными и жёлтыми цветами и зелёными листьями, серо-розовые чулки и балетные туфли... Весь этот наряд кажется на удивление красивым, а официальная критика назвала подобную живопись «пестрятиной». Вот тогда Э. Мане и решил написать картину «Завтрак на траве», как пощёчину буржуазному вкусу.

Сюжетом картины, которая сначала значилась в каталоге выставки под названием «Купание», Мане выбирает мотив эпохи Возрождения. Фигуры людей на ней были написаны строго и сдержанно, в живопись врывались воздух, солнце и чистый цвет. Но критики всю свою ярость сосредоточили на «неприличии» сюжета и не захотели заметить то новое, что содержалось в живописи Э. Мане.

Скандал с «Завтраком на траве» нисколько не поколебал художника. Вскоре он написал картину, которая тоже стала предметом самых яростных нападок. Это была «Олимпия», композиция которой напоминала тициановскую Венеру. Перед картиной толпились возмущённые зрители, назвавшие её «батиньольской прачкой», а газеты называли её нелепой пародией.

Во все века Венера почиталась как идеал женской красоты, в Лувре и других музеях мира есть много картин с обнажёнными женскими фигурами, а Мане призывал искать красоту не только в далёком прошлом, но и в современной жизни. Вот с этим-то никак и не хотели примириться просвещённые мещане. «Олимпия», лежащая на белых покрывалах, обнажённая натурщица, — это не Венера прошлых веков. Это современная девушка, которую, по выражению Эмиля Золя, художник «бросил на полотно во всей её юной... красоте».

Кажется, что ещё ни одна картина не вызывала такой ненависти и насмешек, всеобщий скандал вокруг неё достиг здесь своей вершины. На художника ополчились все газеты, от него отворачивались знакомые...

Более ста лет назад Эмиль Золя писал в газете «Эвенмен»: «Судьба уготовила в Лувре место для «Олимпии» и «Завтрака на траве», но понадобилось много лет, чтобы его пророческие слова сбылись. Теперь в Музее импрессионизма зрители стоят перед этими полотнами благоговейно и почтительно.

На первом этаже Музея выставлены и полотна «живописца радости» Огюста Ренуара. «Он любит солнце, которое может всё озарить, и его художественное сердце — само такое солнце. У него нет глаз для скорбного и уродливого: он видит цветы, лучи солнца, детей, прелестных женщин — и всё это играет, просто радуясь жизни и воздуху», — писал А.В. Луначарский о творчестве О. Ренуара.

Действительно, пишет ли художник природу («Дорога в траве»), обнажённую натуру («Натурщица на солнце»), жанровые сценки на открытом воздухе — везде он остаётся солнечным художником, «окунающим» натуру в лучезарные потоки света. Молоденькие модистки, собравшиеся повеселиться в саду монмартрского кабачка «Муленде ла Галетт», под кистью Ренуара превращаются в прелестные создания — женственные и непосредственные. Картины его насквозь пронизаны солнцем, его свет играет на розовых и голубых женских платьях, на тёмных костюмах и соломенных шляпах мужчин, переливается на стаканах, синими и жёлтыми бликами ложится на песочную площадку.

Полотна Огюста Ренуара переходят и на второй этаж Музея импрессионизма. Кроме них, здесь выставлены картины Клода Моне, К. Писарро, П. Сезанна, Винсента Ван Гога, Поля Гогена и других художников. И одним из шедевров является картина К. Моне «Впечатление», давшая название всему направлению импрессионизма (по-французски «impression» — впечатление).

За два года до той знаменитой выставки Клод Моне написал из окон гостиницы, в которой тогда жил, картину Гаврского порта. Лес корабельных мачт, стушёванные контуры портовых кранов, зыбкий туман, чернеющие лодки... Поднявшийся над горизонтом чётко очерченный багровый шар солнца висит в молочной дымке и отбрасывает на воду алые отсветы. Чтобы сохранить свежесть впечатления, надо было работать на едином дыхании, очень быстро — смелой рукой и без колебаний. Эдмон Ренуар, брат художника, к названию «Впечатление» прибавил ещё два слова: «Восход солнца». Таким это название и осталось.

Клод Моне с наибольшей последовательностью разрабатывал принципы импрессионистской манеры живописи: писал отдельными мазками чистого цвета, пытался передать освещение, изменчивое в разное время дня и года. Эти его поиски отражены в серии «Руанский собор», хотя в самом Музее импрессионизма находится лишь пять из 25 композиций.

Клод Моне пишет портал знаменитого Руанского собора, и свет играет на каменном кружеве и скульптурах собора, отбрасывает тень и растворяет очертания здания в светло-воздушном мареве. Этюды ни один не повторяют друг друга: на одном собор изображён в серых тонах (характерных для пасмурного дня), на других собор кажется нежно-розовым в лучах восходящего солнца, на третьих он переливается золотом, особенно ярко выделяющимся на фоне голубого неба.

Выставленные в Музее импрессионизма картины Клода Моне не имеют привычных рам, они просто «вставлены» в стену. Такой принцип размещения экспозиции поначалу поражает посетителей, но ведь художник и хотел «поймать мгновение», вызвать у зрителей иллюзию быстрой смены освещения, изменяющего видимый мир.

Эдгар Дега, на первый взгляд, казался человеком странным и противоречивым. Его настоящая фамилия де Га, но он еще смолоду отказался от аристократической приставки. Его готовили к блестящей карьере, но он бросил юридическую школу ради Школы изящных искусств. Он был склонен к молчаливому одиночеству, не терпел шума, презирал рекламу и славу. С годами его замкнутость стала легендой. И вместе с тем темы для своих картин он черпал в самой гуще городской жизни.

Пейзажей он почти не писал, он всегда влюблённо наблюдал и писал человека. Свои картины он не рисовал на месте, поставив своим принципом «Наблюдать, не рисуя, и рисовать, не наблюдая».

Он был первым из европейских художников, кто совершенно по-новому увидел балет. В «Танцевальном классе» и «Голубых танцовщицах» изображены балерины — но не сцене, а за кулисами во время репетиции. На их лицах застыло то ли напряжённое внимание, то ли утомление, парадные улыбки и традиционное изящество исчезли. Повороты фигур зачастую попросту некрасивы, а движения — у балерин! — угловаты. Взгляд зрителя скользит по худым спинам, острым локтям, жилистым шеям...

И вместе с тем полотно, созданное Дега, прекрасно той истинной красотой, которая присуща только настоящему искусству. В «Голубых танцовщицах» само радужное мерцание чистых красок вызывает мелодию танца. Светятся и переливаются газовые юбки, сверкают на корсажах и в волосах балерин зелёные, голубые и красные ленты, легко касаются пола ноги в розовых балетных туфлях.

Дега был блестящим рисовальщиком. В отличие от других импрессионистов, превыше всего ставивших цвет, он по-настоящему понимал выразительность линий. А критики упрекали его в том, что он «срезает» предметы и людей, что он просто не умеет разместить желаемое на полотне и уложиться в размеры картины.

Кроме живописи, Эдгар Дега увлекался и скульптурой. В специальной витрине Музея импрессионизма выставлены небольшие фигурки его прачек, танцовщиц, обнажённых натурщиц и лошадей.

Одновременно с импрессионистами выступил и Поль Сезанн, сын мелкого банкира из Экса. Но вскоре Сезанн отошёл от них. Он хотел передать на своих полотнах не световые эффекты или изменчивость воздуха, а, наоборот, — устойчивость и определённость окружающего мира. Взяв живописную технику импрессионистов, он хотел ввести её в пределы строго продуманной формы. Поэтому на его холсты ложились плотные, уверенные мазки, изображённые на картинах фигуры и предметы приобретали весомость и материальные черты.

Сам Сезанн говорил: «Глаз и ум должны дополнять друг друга. Надо усиленно работать над их взаимным развитием». И он был тружеником из тружеников. До последнего дня жизни работа была его единственной страстью. Посылая свои работы в Салон, он даже не рассчитывал, что их там примут. Художник писал Камиллу Писарро, что испытывает наслаждение оттого, что его работы заставляют Академию «краснеть от ярости и отчаяния».

Полотен Поля Сезанна в Музее сравнительно немного, и все они относятся к 70—80-м годам его творчества. Это пейзажи парижских окрестностей, натюрморты (цветы, яблоки, апельсины, лук), а также фигурные композиции — «Игроки в карты» и «Женщина с кофейником».

Жизнь этих людей (а также тех, кого мы называем постимпрессионистами) была наполнена радостным, вдохновенным трудом. Поэтому, несмотря на то что постоянная и порой безвыходная нужда преследовала их во все времена, так радостно, так безмятежно солнечно их искусство.

2.3 Музей д’Орсэ

Музей Орсэ – французский национальный музей, созданный в Париже в декабре 1986 года для показа всего многообразия художественного творчества западного мира в период с 1848 по 1914 годы.

Удача и судьба, казалось, соединились, чтобы содействовать превращению Вокзала д’Орсэ (известной постройки 1900 г.) в Музей д’Орсэ – хранилище искусства позднего XIX века. Сначала добрую роль сыграло само время, ибо во многом именно разрушение рынка Лезаль дало повод к начатой прессой и успешно завершившейся кампании по сохранению старой железнодорожной станции и отеля. Создание этого музея стало значительным событием в культурной жизни Франции. Крупнейший вокзал Орлеанской компании, утративший своё функциональное значение, должен был превратиться «из вокзала в музей» — в этом и заключалась главная идея его устроителей и реставраторов. Одной из главных задач в реализации этого проекта было не только сохранить вокзал в первозданном виде, но и включить его в современную жизнь, придать музею-вокзалу двойную функцию — как носителя исторической памяти, так и современного подлинного явления.

Знаменитый парижский вокзал Орсэ располагался в центре Парижа — напротив Лувра и Тюильри. Он был построен архитектором Виктором Лалу к Всемирной выставке 1900 года. По мнению многих критиков, вокзал стал «лебединой песней французского модерна». Вокзал Орсэ считался последним достижением техники того времени, самым ультрасовременным из всех — он был своего рода апофеозом промышленного века.

Всё в нём приковывало внимание современников: громадный неф, огромная высота, циклопические портики, светящиеся часы. Кроме всех этих достижений, вокзал был в высшей степени функционален. Однако со временем он перестал удовлетворять всё ускоряющийся ритм жизни, к концу 1960-х годов вокзал обветшал и пережил забвение. На смену ему готовилось строительство международного отеля, в конкурсе на проект которого приняли участие крупнейшие архитекторы того времени (в том числе и Ле Корбюзье).

Однако в 1973 году решение о строительстве отеля было отменено. Вокзал признали историческим памятником, и его купило министерство культуры Франции. Вот тогда-то и возникла идея превратить вокзал в «Музей XIX века». В нём предполагалось создать музей искусств с новейшей экспозиционной технологией, но с минимальным изменением архитектуры и структуры самого вокзала, его интерьеров и декора.

Проект нового Музея рождался как бы из диалога с прежним его архитектором — Виктором Лалу. Новый проект ставил своей задачей создать уникальную среду для произведений искусства XIX века, но в то же время как бы экспонировать и собственную архитектуру вокзала. Однако вокзал Орсэ по своим прежним функциям никак не совпадал с задачами Музея искусств. Сложнейшая проблема была всё-таки решена группой «АКТ-аршитектюр», которая завоевала первое место в конкурсе по реконструкции этого вокзала. Основа концепции проекта данной группы была такова: «Сделать не музей в вокзале, а музей из вокзала».

Идея создания такого музея нашла поддержку и в лице президента Франции Валери Жискар д'Эстена, который и начал эту грандиозную работу. По разработанной программе новый Музей должен был стать музеем многодисциплинарным — то есть включать в свои экспозиции и демонстрировать живопись, графику, скульптуру, декоративную мебель, произведения фотографии и зарождающегося киноискусства, архитектуру, градостроительство, исторические и документальные материалы — всё, что отражает прошлую эпоху.

Первые коллекции нового Музея формировались из произведений, хранившихся в Лувре, музее «Же до Пом», во Дворце Токио и многих других музеях и частных собраниях. По хронологическим рамкам своих коллекций Музей Орсэ занимает сейчас место между Лувром и Национальным центром искусств имени Жоржа Помпиду: Лувр (как музей) построен в XVII веке, Орсэ — в 1900 году, Центр искусств имени Жоржа Помпиду — в 1977 году.

Экспонируемые в Музее Орсэ произведения искусства представляют собой один из выдающихся периодов французского искусства второй половины XIX — начала XX века. Живопись представлена полотнами Давида, Энгра, Делакруа, импрессионистов, скульптура — произведениями Родена. Зал Родена считается одним из самых красивейших в Музее Орсэ, а достигается это благодаря гармоническому соотношению трёх произведений скульптора с архитектурой самого вокзала.

Самым масштабным помещением нового Музея стал Большой Неф, в котором выставлены коллекции скульптуры. Над бывшими железнодорожными путями и рельсами был сделан пол, который своими террасами как раз и продолжается в нефе. Стеклянный свод обеспечивает равномерное освещение зала, а это для скульптур является безопасным и оптимальным режимом. Грандиозные размеры самого нефа придают ещё большую монументальность всей скульптурной экспозиции.

В глубине нефа расположились две башни, в которых экспонируются произведения «ар нуво». С террасами соседствуют залы для экспозиции произведений живописи и декоративно-прикладного искусства. С одной стороны — это залы Домье, Коро, Милле, с другой — Энгра, Делакруа, Дега, Гюстава Моро. В пересечении нефа расположились залы Гюстава Курбе и декоративного искусства времен всех Империй.

Коллекции импрессионистов и постимпрессионистов расположились в залах верхней галереи. Естественное специфическое освещение этих залов наилучшим образом отвечает цветовой гамме живописных полотен Моне, Сислея, Сезанна, Ренуара, Ван Гога.

Овальные залы первого этажа отданы произведениям академической, натуралистической и символической школ. Три из них представляют новое искусство — это произведения Харта и Ван дер Вельде.

В Музее неожиданно и весьма оригинально экспонируются архитектурные макеты. «Гранд-Опера», например, оказывается прямо под ногами посетителей — под прочным слоем стекла. С высоты этот макет предстаёт во всём своём великолепии. Макеты крупнейших сооружений прошлых времён выстроены в большую колонну — один над другим. Посетители могут их осматривать, поднимаясь на эскалаторе в большие залы Башен.

Для размещения произведений декоративного искусства и графики (рисунков, фотографий, пастелей и литографий) созданы специальные небольшие «тёмные» помещения. Естественное освещение здесь практически отсутствует, а разработанная система подсветки высвечивает лишь экспонаты.

Вообще освещение Музея Орсэ является одной из его главных удач. Естественное и искусственное освещение из 8000 светильников, прожекторов и галогеновых фонарей как бы сливаются в одну симфонию. Во всех залах смонтирована система, отражающая как искусственный, так и естественный свет. Этот свет прежде, чем попасть на полотна, отражается специальными панелями, которые поглощают вредные для картин ультрафиолетовые лучи.

В Музее среди других технических новшеств применяется компьютерная система управления климатическим режимом и обеспечением безопасности.

2.4 Версаль

Версаль – это чудо света и бесценный дар французской нации всему человечеству. В истории первое упоминание о Версале относится к 1037 году, но известность этому провинциальному прежде городку создали дворец и парк последних французских королей.

Замок в западном пригороде Парижа был заложен в 1624 году как охотничья резиденция Людовика XIII, в которой можно было бы с удобствами отдохнуть в недолгие часы своих развлечений. Возводившийся замок был столь мал и скромен, что в нём не были даже предусмотрены покои ни для королевы-матери, ни для королевы-жены.

В начале своего царствования молодой и честолюбивый Людовик XIV не мог даже предположить, что ему удастся преобразовать замок отца до такой степени, что он превратился в самый большой и роскошный дворец Западной Европы с его легендарными садами и своеобразным королевским городком. С 9 мая 1664 года Людовик XIV основал в нём свою постоянную резиденцию.

Особый интерес представляют центральная часть версальского дворца, где находятся королевские покои, и знаменитая Зеркальная галерея, выходящая на террасу в парке.

В Большие королевские покои вводит зал Геркулеса — главная придворная бальная зала. Огромная картина в потолке изображает апофеоз Геркулеса». Это полотно считается одним из самых грандиозных в мире: оно достигает 18,5 метров в высоту и 17 метров в ширину.

Но начинается анфилада королевских покоев с салона Изобилия. Своё название этот зал получил за то, что во время королевских приёмов он служил буфетной. Здесь постоянно стояло три больших буфета, уставленных серебряными кувшинами с самыми всевозможными напитками — холодным и горячим шоколадом, винами, чаем, кофе и вазами с различными заморскими фруктами.

На самом же деле салон Изобилия был кабинетом Медалей (или Редкостей). В нём «Король-солнце» хранил свою великолепную нумизматическую коллекцию. Назначение салона подсказало и тему росписи его потолка. В центре композиции художник Р.-А. Уасс представил короля в изображении аллегорических фигур с рогами изобилия, из которых рассыпаются диковинки королевской коллекции.

Салон Дианы долгое время служил Людовику XIV бильярдной. Король любил эту игру больше других, и часто играл на бильярде. Это запечатлено и на одной из современных гравюр. Мебели в этом зале почти не было, только вдоль стен стояли столики и табуреты. Дополняли убранство салона люстры, канделябры и вазы — всё из литого серебра с позолотой очень тонкой работы. Убранство салона Дианы в основном остаётся неприкосновенным со времен Людовика XIV. Долгое время украшением зала был мраморный бюст короля в молодости, который в 1665 году выполнил итальянский скульптор Л. Бернини, но теперь этот бесценный шедевр хранится в Лувре.

Салон Меркурия был парадной спальней короля. Посередине его центральной стены стояла парадная кровать, а перед ней была серебряная чеканенная решётка. Королевская кровать была убрана покрывалом из той же парчи с золотыми и серебряными нитями, какой были затянуты двери всего салона. На этом ложе с 1 по 8 сентября 1715 года покоилось тело Людовика XIV в парадном коронационном одеянии.

Некогда салон Меркурия украшали полотна Тициана, но потом они тоже были переданы в Лувр. Однако до сих пор в салоне стоят знаменитые автоматические часы, которые были подарены французскому королю в 1705 году.

Самая знаменитая часть дворца – Зеркальная галерея с 17-ю большими окнами и 15-ю зеркалами на противоположной стороне: здесь проходили все придворные праздники, отмечались дни рождения короля, совершались бракосочетания, здесь же принимали иностранных послов.

Зеркальную галерею называют чудом Версаля. Вид этого салона просто захватывает дух: галерея ошеломляет сразу и размерами, и пропорциями, и колоритом, и расточительной роскошью убранства, ав погожие солнечные дни — переизбытком света и воздуха. При украшении Зеркальной галереи расчёт сознательно был сделан на то, чтобы именно ошеломить роскошью и великолепием. Зеркальная галерея — это не просто зал. Это огромный проспект, длина которого 73 метра, а ширина — 10,5 метров.

Стену галереи со стороны парка по всей высоте прорезали симметрично расположенные 17 окон, которые своими пропорциями гармонируют с золочёными резными дверями. Пятнадцать ниш напротив окон заполнены зеркалами, которые отражают парк, небо и водоёмы, иллюзорно расширяя пространство зала и создавая тем самым удивительно сказочный эффект. Окна утопают в глубоких арочных нишах, в то время как зеркала наложены на плоскую стену.

Посетивший Версаль посол Венеции в восторге писал: «В Большой галерее зажигались тысячи огней, они отражались в зеркалах, покрывавших стены, в бриллиантах дам и кавалеров. Было светлее, чем днём, красота и величие блистали точно во сне или в заколдованном Царстве». Зрелище поистине феерическое. В праздничные дни в сверкающих серебряных и хрустальных люстрах зажигались мириады свечей, множились на глазах, отражаясь, как и всё остальное, в зеркалах. Оформители галереи явно хотели продемонстрировать современникам победу над Венецией с её монополией на производство зеркал. А оказывается, Франция тоже могла изготовлять их, да ничуть не хуже венецианских!

Роспись Зеркальной галереи была поручена художнику Ш. Лебрену, который был наделён большими полномочиями и самостоятельностью, но отнюдь не беспредельными: придворное искусство должно было прежде всего прославлять яркую личность короля. На сводах галереи художник расположил 12 медальонов и 6 стукковых рельефов. В угловых медальонах представлены важные события того времени: судебные и финансовые государственные реформы, покровительство искусствам. Все фрески объединяет тема побед воинственного короля, среди которых выделяется «Вторая победа над Франш-Конде». Во фресках Лебрен тонко переплетал сюжеты важных исторических событий и мифологию, ввёл аллегорические образы, в которые как будто случайно проникли сцены будничной жизни. Главный герой каждой композиции — король. И вообще при украшении всего Версальского дворца была одна цель — в монументальном стиле воздать славу королю.

Галерею украшали апельсиновые деревья, высаженные в огромные серебряные вазы. Здесь стояла массивная серебряная мебель, сделанная по эскизам Лебрена. Столы из литого серебра украшала настолько тонкая чеканка, что стоимость её во много раз превышала стоимость самого материала.

С балкона Зеркальной галереи римский папа Пий VII дал своё благословение французскому народу; здесь же в январе 1871 года Вильгельм I короновался как император Германии; а в январе 1896 года на её балкон выходил к народу русский царь Николай II.

В благоустройство и украшение Версаля свой вклад внесла каждая эпоха. После Людовика XIV воспоминания о себе оставил почти каждый монарх. Во дворце, помимо личных апартаментов королей и королев, в XVIII веке появились салоны сменявших одна другую королевских фавориток, тут жили наследники и наследницы престола. Но образ Версаля всё же прочно связан с именем Людовика XIV. При нём строительные работы велись здесь почти сорок лет, хотя их и прерывали частые войны и безденежье. В Версале всегда царил праздник, затянувшийся на целые десятилетия. Его главным постановщиком и главным действующим лицом был Людовик XIV. Всё его здесь радовало и переполняло гордостью. Ему доставляли огромное удовольствие и Зверинец с редкостными животными, и Оранжерея с диковинными растениями, а в Лекарственном саду под наблюдением опытных садоводов король своими руками выращивал целебные растения и травы.

К серии королевских забав принадлежит также необыкновенное архитектурное сооружение — фарфоровый Трианон. Весной 1670 года архитектор Л. Лево получил повеление короля начать строительство в парке китайского «Домика удовольствий» из фарфора. Оригинальный павильон, снаружи выложенный фаянсовыми изразцами, король посвятил маркизе де Монтеспан. Влюблённые получили и «пагоду», архитектура которой с китайской в общем-то не имела ничего общего.

Игрушечное одноэтажное здание красовалось в глубине небольшого двора. Центр его фасада, по моде того времени, был украшен пилястрами, поддерживающими классический фронтон. В самом домике главный интерес представляет роскошная королевская обстановка. Внутренние стены домика были сплошь покрыты дельфтскими изразцами, ими же были выстланы полы в залах. На высокой крыше ступеньками располагались вазы, мастерски сделанные «под фаянс». Такие же вазы украшали скамьи дворика и садовые фонтаны.

Многочисленных посетителей и туристов интерьеры «Китайского домика» просто изумляют. Его главный салон был выложен белыми с лазурью узорчатыми фаянсовыми плитками. Стены «комнаты Амуров» затягивает белая тафта, усыпанная китайскими золотыми и серебряными цветами. В «Комнате Дианы» стояли ширмы с изображением экзотических птиц, ваз, цветочных гирлянд и вензелей короля. Такой же узор был на шёлке, обтягивающем стены, на коврах и в рисунках изразцов.

«Домик удовольствий» был на самом деле сооружением затейливым. В него входили ещё «Кабинет благоуханий», специальные комнаты «для приготовления варенья», «для лёгких блюд», подаваемых перед десертом, и «для супов». При сказочном домике был и переполненный чудесами сад, в котором возделывались диковинные тогда апельсиновые деревья, высаживались левкои, анемоны, испанский жасмин, стамбульские нарциссы, дикие каштаны... По своей стоимости эта королевская забава вылилась в безрассудные траты, а просуществовал «фарфоровый Трианон» всего 17 лет, пока не был возведён так называемый Большой Трианон (мраморный).

Малый Трианон в парке Версаля, построенный в 1762-1764 гг. Жаком-Анжем Габриэлем, представляет собой одну из первых построек в стиле французского классицизма XVIIIв. Внешний вид Малого Трианона и отделка его комнат говорят о том большом сдвиге от утонченной сложности к простоте, который произошел в культуре французской аристократии в течение 50-х годов XVIII столетия. Стремление к классическим формам сближает друг с другом французскую архитектуру второй половины XVII в. и второй половины XVIII в. В противоположность архитектуре второй половины XVII в., парадной и репрезентативной, французская архитектура второй половины XVIII в. отличается интимностью. Создание Габриэля примыкает к виллам Палладио, мотивы которых сыграли большую роль в возникновении композиции Малого Трианона.

Композиция этого дворца основана на последовательности архитектурных картин, среди которых чередуются в известном порядке виды на наружные и внутренние части здания. При помощи искусного и остроумного композиционного приема зодчий отнимает у зрителя возможность обойти вокруг здания и воспринять элементарную кубичность его наружного объема. Он заставляет его смотреть на дворец с известных точек зрения и осматривать его в желательном для зодчего порядке. Малый Трианон расположен на крутом склоне, который использован зодчим. Два фасада дворца имеют по два этажа, два других — трехэтажные. С четырех сторон к нему примыкают полукруглые ограды, которые не позволяют зрителю обойти вокруг здания и отделяют друг от друга все его фасады. На главном фасаде Габриэль скомбинировал свои закругляющиеся стенки с лестницами и с обрамлёнными парапетами платформами, ведущими к главному входу. Эта композиция даёт поразительное богатство разнообразных вариантов сочетаний фасада и лестниц по мере приближения зрителя к зданию. При движении по одной из дорожек сада, которая ведет па лестницу и платформу, закругляющуюся перед главным фасадом, наружный блок дворца выглядит особенно эффектно. Здание видно то издали, то вблизи, то в три четверти, то фронтально. Особенно важна последовательная смена точек зрения, которая заставляет разнообразные аспекты дворца плавно и постепенно переходить друг к другу.

За кажущейся простотой главного фасада обнаруживается сложная композиция его пространственных слоёв, сливающихся в единый зрительный образ. По отношению к основной плоскости фасада средняя его часть несколько отступает назад, а колонны, наоборот, выступают вперед; боковые колонны сливаются с выступами стен и воспринимаются отчасти как полуколонны. При движении зрителя перед фасадом получается множество эффектных пересечений колонн и оконных обрамлений средней части стены.

Основными элементами внутренней композиции Малого Трианона являются почти квадратный главный зал с тремя окнами, выходящими в промежутки между колоннами главного фасада, и парадная лестница, которая ведёт к этому залу из нижней части бокового трёхэтажного фасада. Последний является дворовым фасадом.

Внутренняя отделка Малого Трианона соответствует по своей простоте и ясности его наружной обработке. Вновь господствуют ордера и классические формы.

Сейчас посетителям показывают в Малом Трианоне канделябры и другие ценные предметы, подаренные Наполеону I русским царём Александром Благословенным после их встречи в Тильзите. Здесь же выставлен золочёный столик ценой в один миллион франков (старых), который подарил Наполеону римский папа Пий VII.

Неподалеку от Малого Трианона расположился Экипажный музей с грандиозными золочёными парадными каретами и санями (XVII век) последних французских королей и времён Первой империи.

Малый Трианон был любимым местом пребывания королевы Марии-Антуанетты и императрицы Марии-Луизы. В нём особенный интерес для посетителей представляют частные королевские покои. Экскурсоводы рассказывают, что постель Марии-Антуанетты нередко служила местом скандальных похождений влиятельных особ, приезжавших сюда комфортно провести ночь.

К Малому Трианону примыкает ферма королевы — с мельницей и молочной. В этом месте экскурсоводы обычно рассказывают посетителям занимательную историю о том, что здесь хранятся чашки, по форме представляющие слепок с грудей Марии-Антуанетты. Из этих чашек королева в своей молочной угощала гостей молоком от своих коров.

Парки Версаля раскинулись на площади в 101 гектар. Если в итальянском парке виллу сознательно скрывали в зелени, то во Франции замок или дворец были главным объектом парка. Начиналось всё с титанической работы по осушению болот, потом сюда наносили землю, песок и камни, чтобы выровнять почву и создать искусственные террасы. Тысячи рабочих рыли каналы и строили водопровод для знаменитых впоследствии фонтанов и каскадов.

Скульптором Тюби был создан знаменитый «фонтан Аполлона». Он возник на месте старого бассейна, а потом засверкал, заиграл водяными струями. Под большим напором центральная струя с силой выбрасывается вверх (на высоту 25 метров), а 15-метровые боковые струи, устремляясь ввысь, вырисовывают эмблему французских королей — цветок лилии.

Фонтан представляет собой мчащуюся навстречу восходящему солнцу впряжённую в колесницу четвёрку вздыбленных коней, и прячутся от них в раковины морские обитатели — тритоны, выпускающие из водной глубины солнечные лучи.

2.5 Национальный центр искусств имени Жоржа Помпиду

К галереям, музеям, библиотекам и концертным залам долгое время относились как к «храмам муз» и старались для них подобрать здания в классическом стиле. Но в 1970-е годы в Париже был построен новый многофункциональный культурный центр, который как бы демонстративно пренебрегал стереотипами трепетного отношения к искусству. Это был знаменитый Национальный центр искусств имени Жоржа Помпиду, который ознаменовал собой новый этап в развитии музейной архитектуры.

Экстравагантная конструкция Бобура (так в обиходе называют этот Центр по имени расположенной рядом с ним старинной улицы и пустыря, на котором возведено здание) напоминает внешне огромную фабрику или нефтеперегонный завод. Сталь, стекло, сложное переплетение красно-синих труб, кабелей, лестничных площадок, прозрачные галереи эскалаторов и переходов, каких-то странных металлических деталей, вынесенных наружу... Прямо на тротуаре возле главного фасада этой необычно прозрачной конструкции расположились толстые вентиляционные трубы, очень похожие на те, что можно увидеть на палубе судна. И вообще, при желании Бобур легко принять не только за нефтеперегонный завод, но и за корабль, пусть и в форме параллелепипеда.

Бобур внутри лишён каких бы то ни было промежуточных опор и стационарных стен, а все его несущие элементы демонстративно вынесены наружу. По представлениям самих авторов, здание имеет открытую и гибкую структуру, подобно «машине, собирающей и передающей информацию». Архитектура Бобура не закончена и специально ориентирована на изменения в будущем. Все конструкции ярко окрашены, а общее цветовое решение информационно осмысленно: в красный цвет выкрашены транспортные коммуникации (лестницы, лифты, подъёмники, эскалаторы), в жёлтый — электропроводка, в зелёный — трубы и устройства водоснабжения, в голубой — кондиционеры воздуха, белый — подача тепла.

Но не следует думать, что подобный дизайн всего лишь бессмысленная прихоть очередного авангардиста. Просто архитекторы, приняв во внимание стремительные изменения современной технологии, сочли нецелесообразным уводить под пол водопроводные и отопительные трубы, прятать в стены электропроводки и кондиционеры. Правда, многие расценили результат этого эксперимента как уродство. Центр искусств имени Жоржа Помпиду критикуют те, кому трубы и коммуникации, выставленные напоказ вдоль внешних стен здания, представляются бессмысленным уродством. Многие заявляют даже, что Центр вообще никакого отношения к архитектуре не имеет, что это всего лишь сляпанное на скорую руку техническое сооружение.

Но нашлись у здания и защитники, считающие его архитектурное решение остроумной и смелой идеей, которая к тому же расширяет оформительские возможности современного зодчества. Как греческий храм горделиво выставлял напоказ колонны, подпиравшие его крышу, точно так же и Центр Помпиду не стесняется показать металлический «костяк», на котором держится весь его корпус, и не скрывает необходимые элементы своего технического оснащения. Стиль «хай тек» предполагает, что по мере развития технологии грани между архитектурой и техникой будут стираться всё больше и больше.

На конкурс архитекторских проектов этого сооружения была подана 681 работа из 49 стран. Национальный центр искусств и культуры имени Жоржа Помпиду в Париже строился по проекту иностранных инженеров — итальянца Ренцо Пиано и англичанина Ричарда Роджерса. Комплекс раскрыл свои двери в 1977 году и сразу же надолго возбудил всеобщее любопытство. Даже у входа в Лувр тогда не всегда можно было встретить такое количество желающих попасть в это святилище искусства, как здесь, в Бобуре.

В Центре Помпиду находится теперь главный парижский музей современного искусства, в нём регулярно устраиваются выставки. Богатая публичная библиотека Бобура насчитывает более миллиона томов. На открытых стеллажах расставлены книги и журналы по всем отраслям знаний, на столах — аппаратура для чтения микрофильмов. Большое собрание диапозитивов, аудио- и видеокассет, магнитных плёнок с записью музыкальных произведений доступно любому посетителю. С террасы ресторана на последнем, шестом, этаже открывается ни с чем не сравнимая картина — крыши Парижа...

О Бобуре уже написаны монографии, книги и несметное число статей, как сочувственных, так и напрочь отвергающих не только архитектуру здания, но и саму идею создания подобного центра. «Суперрынок культуры», «Ангар искусства»... Какими только эпитетами не награждали Бобур! Сейчас страсти несколько поутихли, а Центр Помпиду прочно вошёл в список парижских достопримечательностей.

Он начал возводиться еще в 1930-е годы, когда на этом месте был просто гигантский пустырь заброшенной стройки. Но теперь Центр Помпиду заметно повлиял на жизнь старинного квартала. Люди тянутся сюда не только ради самого Центра, но и ради создавшейся вокруг него своеобразной атмосферы. В отреставрированных домах открылись салоны, магазины. Площадь, примыкающая к главному фасаду комплекса, стала ареной для выступлений бродячих музыкантов, певцов, танцоров, фокусников, жонглёров. Где же, как не здесь, возле Бобура, вправе рассчитывать безработные артисты на благосклонное внимание парижской публики?!

Площадь перед Центром Помпиду оказалась ещё одной счастливой находкой архитекторов: из всех поданных проектов только один этот оставлял половину отведённой под застройку территории свободной. На подступах к комплексу создана обширная пешеходная зона, таким образом, в Париже сохранился ещё один оазис уличной жизни.

Центр Помпиду укрывает в своих стенах не только библиотеку и модульные выставочные помещения. Здесь есть ещё кинотеатр и концертный зал, детская площадка для игр, несколько ресторанов и баров. В подвальных этажах Центра расположился Институт исследования и координации акустики и музыки, который представляет собой комплекс ультрасовременных акустических лабораторий. Его концепция разработана таким образом, чтобы сочетать оптимальные условия для акустических исследований с возможностью доступа широкой публики в демонстрационный зал. За ходом научных исследований зрители могут наблюдать через специальные смотровые окна.

В Центре Бобур имеются Детская студия и Центр промышленного творчества, занимающийся вопросами градостроительства, архитектуры, промышленного дизайна, социального обслуживания. Созданный для специалистов по окружающей среде, работников промышленности и всех, кто интересуется искусством, он стремится донести до сознания людей идею о том, что предметы обихода, дома, улицы и весь жизненный уклад — это часть человеческой цивилизации, нужно отказаться от пассивного к ним отношения и принимать деятельное участие в их создании.

На четвёртом этаже Центра расположен Национальный музей современного искусства. Экспонаты, выставленные в залах этого музея, характеризуют состояние западноевропейского (прежде всего французского) искусства в годы перед первой мировой войной. В Париже, закрепившем за собой славу художественной столицы мира, рождались в эти годы фовизм, кубизм, орфизм. Экспозиции в основном состоят из картин художников, представляющих именно данные течения. Ранний Матисс (1869-1954), здесь представлен картиной «Сладострастие» (1907); Альбер Марке (1875-1947), пейзажист; Дюфи (1877-1953) – сочетание цвета с кружевным, «проволочным», нарядным рисунком, сохраняющим нередко характер наброска, эссе; Дерен (1880-1954), Вламинк (1876-1958) – пейзажисты; Боннар (1867-1947) – группировка «Наби», пейзажист – «В лодке», Утрилло (1883-1955) – пейзажист, Брак (1882-1963) – кубист, «Девушка с гитарой» (1913), Пикассо (1881-1973) – «Авиньонские девицы» (1907), Делонэ (1885-1941) – «Город Париж» (1911), серия «Окна»; Шагал и другие художники.

В первые дни открытия Центра в него ежедневно приходили до 45 000 посетителей. Вскоре он стал главным аттракционом Парижа, обогнав по посещаемости даже Эйфелеву башню. Правда, все первоначальные планы архитекторов не удалось осуществить полностью. Из-за противопожарных предписаний, из-за ограничений во времени и в средствах не были реализованы, например, самодвижущиеся полы и некоторые другие задумки.

2.6 Военный музей в Доме Инвалидов

Идея создания санатория, где могли бы поправить свое здоровье верные слуги Франции, раненные в бою, принадлежала Людовику XIV. Ныне Дом Инвалидов известен, во-первых, как изумительное строение с видом на чудесную эспланаду и, во-вторых, как последний приют Наполеона, куда торжественно был перенесен его прах с острова Святой Елены. Повинуясь воле Короля-Солнца, архитектор Брюан предпринял строительство этого огромного здания (фасад длиной 200 м, в классическом стиле, без затей). Работы были завершены в 1676 г. Церковь Купола начинает строиться после того, как завершилось сооружение основного здания, однако закончена она была лишь в 1735 г. Робером де Коттом. Замечателен Купол своей позолотой (последняя реставрация — в 1989 г.) и колоннадой. Надгробие Наполеона I открыто в апреле 1861 г. при Наполеоне III. Внушительный саркофаг из красного порфира укреплён на постаменте зелёного гранита в крипте, созданной по чертежам Луи Висконти. Саркофаг окружают двенадцать «Побед» скульптора Прадье.

В часовне собраны некоторые личные вещи Наполеона, в том числе треуголка. Вокруг императора - часовни членов его семьи (например, его сына, короля Римского, скончавшегося в Шенбрунне и перенесенного в Дом Инвалидов по приказу Гитлера) и великих военачальников: Тюренна, сердце Вобана, Фоша и Лиотея.

В Доме Инвалидов расположен Музей армии- богатейшая панорама искусства и военных традиций. Он известен своими аркадами и пушками. Здесь вы найдете оружие, знамена, военно-исторические документы и исторические экспонаты, например ядро, угодившее в отважного маршала Тюренна, или протез Домениля. Здесь же - интересные полотна - батальные сцены, а также гербы, щиты и другое воинское снаряжение. На пятом этаже - коллекция планов-рельефов и аудиовизуальный монтаж.

Дом занимает огромную площадь — почти 127 квадратных метров. Огромный(105 метров в высоту) свинцовый купол с двенадцатью золотыми рёбрами венчает принадлежащую Дому инвалидов церковь святого Луи. Купол этот виден не только с более или менее возвышенных частей Парижа, но и из его окрестностей. Перед главным фасадом Дома инвалидов расстилается огромная площадь Эспланады, которая протянулась до набережной реки Сены. Перед самым Домом на ней разбит сквер, окружённый декоративным рвом и валом, на котором расставлена Почётная батарея из иностранных орудий, взятых в различных сражениях. В их числе и два русских орудия из Севастополя.

Пройдя монументальные ворота, посетитель попадает сначала в огромный «Парадный двор», со всех четырёх сторон окружённый двухъярусной галереей. Стены её почти сплошь расписаны картинами, прославляющими подвиги французской армии.

В центральной нише «Парадного двора» поставлена бронзовая статуя Наполеона, которая имеет целую историю. В 1831 году в Париже проходил художественный конкурс, но только в 1853 году статуя была отлита скульптором Крозатье. Затем эта статуя была водружена на Вандомской колонне, взамен другой статуи этого же императора, но в римском одеянии. В конце царствования Второй империи опять было решено водрузить на Вандомскую колонну прежнего Наполеона, а эту статую сняли и отправили на одну из пригородных площадей в Курбевуа. Оттуда её в 1870 году взбунтовавшийся народ оттащил в Сену, но потом её, уже в разбитом виде, вытащили из воды. Статуе недоставало головы, у неё была проломлена грудь, и бронзового Наполеона на долгие годы отправили на реставрацию. Только в марте 1911 года в отреставрированном виде статую поставили на нынешнее место.

С галерей этого двора входят посетители в Военный музей и в церковь святого Луи. Хоры продольных стен храма обвешаны знамёнами, но это только остатки былых трофеев, так как главную их часть — 1500 знамен — инвалиды сожгли в ночь на 31 марта 1814 года, перед вступлением в Париж союзных войск.

Из церкви, через стеклянную перегородку за алтарем, видна главная достопримечательность всего комплекса Дома инвалидов — могила Наполеона. Это круглый (11 метров в поперечнике) и глубокий (шесть метров) открытый склеп, посередине которого высоко вздымается саркофаг с телом Наполеона, воздвигнутый в 1853 году. Саркофаг сделан из красного финского гранита, это подарок русского царя Николая I. Массивная крышка саркофага поднимается лишь в исключительных случаях, и тогда через стекло можно видеть потемневшее при бальзамировании лицо Наполеона.

Гроб императора окружают 12 крылатых гениев, между которыми поставлены щиты с трофеями Аустерлицкого сражения — австрийскими знамёнами. Здесь же хранятся шляпа Наполеона из-под Эйлау, его шпага и цепь Ордена почётного легиона.

За склепом в глубине церкви — голгофа, под которой и находится вход в склеп. Вход этот заперт, а замочная скважина бронзовых дверей склепа имеет форму латинской буквы «N» и увенчана розеткой Ордена почётного легиона. Над дверями начертаны слова из завещания Наполеона: «Я желаю, чтобы прах мой покоился на берегах Сены, среди французского народа, который я так любил». По обеим сторонам дверей расположены аллегорические фигуры Гражданской и Военной мощи.

Экспозиция самого Военного музея разделяется на две части — оружейную и Историческую.

В вестибюле Оружейного зала выставлены неприятельские орудия, среди которых есть и русские, тоже взятые при Севастополе. В галерее Оружейного зала, вдоль обеих стен, сплошным рядом выставлены рыцарские доспехи. Здесь же находится коллекция французских знамён, начиная с эпохи Карла Великого. Самые древние знамёна с той далёкой поры не сохранились, но они воспроизведены по рисункам и описаниям.

В Зале Клебера экспонируется вооружение восточных стран — Китая, Японии, Персии, Индии, Марокко, Кавказа. В одной из витрин посетители могут увидеть шлем Баязета II, а под ним выставлена украшенная драгоценными камнями пороховница.

Потолок Исторического музея затянут шатром китайской императрицы, взятым в 1900 году. К Историческому музею относится и зал Тюрена, в витринах которого выставлены предметы обмундирования и принадлежности героев наполеоновских войн. Здесь же портрет самого Тюрена, долгое время посетителям показывалось ядро, которым он был убит.

Именно в этом зале выставлены личные вещи Наполеона: походная шляпа, серый сюртук и мундир, в котором он был в битве при Маренго. Другие вещи императора выставлены в двух специальных залах.

В Первом зале Наполеона — его походное кресло. В витрине под стеклом — два простых деревянных стула и стол, которые принадлежали Наполеону, когда он был ещё поручиком. В этом же зале выставлены его походная кровать, складная табуретка и седло. В одной из витрин — портфель и походная шкатулка, а в ней лежит пуля, которой он был ранен в Испании — единственный раз в жизни.

Второй зал Наполеона начинается с портретов родственников императора. Здесь же его походный туалетный прибор в футляре, а также знамя с острова Эльба. Особую экспозицию составляют сувениры с острова Святой Елены — ломберный столик, мусор из его дома в ссылке, его любимая садовая скамейка, чучела его собаки и любимой второй лошади «Визирь», которую подарил ему один восточный султан.

В витрине посередине зала выставлены посмертная маска Наполеона и слепок его руки.

2.7 Фонтенбло

Замок Фонтенбло — одна из самых значительных королевских резиденций Франции. Старинные легенды оставили нам несколько версий происхождения названия «Фонтенбло». «FonteneBleaudi» - «источник Блоди» - так по-латыни называют документы XII века местность в Иль-де-Франс, затерявшуюся среди дремучего леса. Некогда именно здесь обитала семья воинствующих франков Бладобальдов. Предполагают, что «Блоди» - имя человека, на земле которого бил источник.

Французское название этих мест – «Fontaine-Belle-Eau» («чудесный источник») – со временем превратилось в «Fontaine-Bleau» («Фонтенбло»). Так что «источник Бло», тот «чудесный источник», который, по легенде, во время королевской охоты нашла собака Бло, дал название и лесу, и замку, и городу. В 1713 г. источник неожиданно исчез.

Расположенный в шестидесяти километрах к югу от Парижа, среди огромного живописного леса, он уже издавна был любимым местопребыванием французских королей. В отличие от Версаля, строившегося «для престижа» по единому плану, Фонтенбло возводился в течение многих веков. В его создании принимали участие знаменитые зодчие, скульпторы, живописцы, мастера садово-паркового дела. Они превратили средневековую крепость в великолепный дворец, впитавший в себя лучшие достижения французского искусства.

С момента своего возникновения в XII столетии и до конца XVIII века Фонтенбло играл заметную роль в общественной и культурной жизни страны. Филипп Август издал здесь множество хартий, Людовик IX Святой основал монастырь, Карл V собирал манускрипты, перешедшие затем в Национальную библиотеку в Париже. Но его истинный расцвет наступает в XVI столетии, во времена правления Франциска I, который сделал замок своей постоянной резиденцией. Поклонник итальянского Ренессанса, мечтавший создать «уголок Тосканы под небом Иль-де-Франс», король пригласил для строительства и оформления замка целую плеяду итальянских живописцев, скульпторов, декораторов. Он собрал превосходную коллекцию антиков, картин, греческих и латинских манускриптов и превратил Фонтенбло в центр нового искусства, в колыбель французского Ренессанса. В дальнейшем французские короли Генрих II, Генрих IV, Людовик XIII и Людовик XIV расширяли и обустраивали замок. Король-Солнце, перебравшись в Версаль, главное место своего правления, сохранил традицию осенних выездов в Фонтенбло. По его желанию автор версальского парка, знаменитый Ленотр разбил здесь сады, где во всем блеске проявил свой блистательный талант. Неповторимый отпечаток наложила на облик замка и эпоха рококо. Ведущие мастера этого стиля — Франсуа Буше, Ванлоо, Пьер и другие — создали изящные декоративные ансамбли, которые по праву принадлежат к шедеврам искусства XVIII века.

На протяжении столетий Фонтенбло занимал особое место не только в личной жизни французских королей, здесь происходили и знаменательные исторические события. Людовик XIV издаёт здесь указ об отмене Нантского эдикта; здесь же он оглашает завещание Карла II, утвердившее Бурбонов на испанском троне.

Яркий след в истории замка оставил также Наполеон. После революции он осуществил восстановление дворца, где впоследствии произошли наиболее важные события, связанные с его правлением. В Фонтенбло Бонапарт подписал акт о своём отречении, и именно отсюда, 20 апреля 1814 года, простившись со своей Старой гвардией во Дворе Белой лошади, он отправился на остров Эльба. Однако менее чем через год, в том же самом Дворе Белой Лошади он собрал своих гренадёров, которые помогли ему с триумфом возвратиться в Париж.

После падения Второй империи Фонтенбло утратил значение королевской резиденции ив1919 году был превращён в национальный музей. И ныне, восхищая великолепием внутреннего убранства и живописностью паркового ансамбля, он волнует ещё и особой атмосферой старины, живым присутствием прошлого.

Чтобы уяснить архитектурно-художественную идею ансамбля, необходимо обойти памятник со всех сторон, только тогда можно будет выделить в его многовековой жизни несколько важных эпох. Фонтенбло – непрерывное, развивающееся во времени творение – представляет собой удивительный ансамбль сменявшихся и обогащавшихся один за счёт другого архитектурных стилей. Но прежде всего это один из самых значительных памятников французского Ренессанса.

Шамбор и Фонтенбло - хорошие примеры того, как в эпоху французского Ренессанса средневековые замки-крепости уступали место элегантным дворцам.

Главная часть ансамбля Фонтенбло - пышный королевский дворец, построенный еще при Франциске I на месте более раннего дворца. Основные его достопримечательности: галерея Франциска I, стены которой обшиты деревянными панелями и украшены картинами на мифологические и исторические сюжеты, огромная галерея Уллиса с декоративными композициями, бальный зал с росписями на мифологические темы, бывшие покои герцогини д¢Этан, украшенные рельефами и панно с изображениями нимф, аллегорических персонажей и придворных красавиц, галерея Генриха II, где под видом Дианы-охотницы изображена его фаворитка Диана де Пуатье (ставшая затем любовницей и его сына Франциска II). Украшением дворцового комплекса служат три двора: двор Белой лошади, использовавшийся для турниров и празднеств, Овальный двор с «Золотыми вратами» и Двор фонтана, за которым находится сад Дианы.

Замок Фонтенбло – один из самых живописных архитектурно-парковых ансамблей Франции. Он строился на протяжении столетий и непрестанно менял свой облик в соответствии с эстетическими вкусами эпох. И хотя он далёк от того величавого единства, которое присуще ансамблям Лувра или Версаля, но именно в его разнообразии, отсутствии регулярной планировки и заключено особое очарование. В этом обширном дворце, который скорее похож на «свидание, или встречу замков», где соединились самые разные архитектурные стили, больше чем в других королевских резиденциях Франции ощущается дыхание истории. Эту особенность почувствовал Наполеон. Предпочитая жить в Фонтенбло, он назвал его «домом столетий, истинным жилищем королей».

В музее имеются такие фрески как (Россо): «Жертвоприношение», «Изгнание невежества», сатиры (элемент декора), «Единство государства», «Слон, украшенный геральдическими лилиями» (+Приматиччо), «Клеобис и Битон», «Венера, наставляющая Амура», «Даная» (+Приматиччо), «Смерть Адониса», «Грации-кариатиды» (рельеф), «Кентавр, обучающий Ахиллеса плаванию», скульптуры, гротески, зал Оленей, бальный зал, сад Дианы, фонтан и статуя Дианы.

Также представлены картины Жана-Батиста Удри, Жана-Луи Демарна, Александра Дюнуя, Антуана Монфора, Франсуа Жерара, Марии-Гельемины Бенуа, ПьетроБенвенутто, Франсуа Жерара, Александра Манжо, бронзовая статуя Наполеона, изучающего карту (Антуан Мутон (1765)).

Музей Наполеона (там портреты Наполеона художников, данных выше)

В 1979 году, после того как принц Наполеон (правнук Жерома, младшего брата Бонапарта) и его сестра, принцесса Мария-Клотильда, передали государству огромное количество предметов, принадлежавших Бонапарту и императорской семье, было решено создать в Фонтенбло Музей Наполеона. Экспозиция музея занимает восточную часть крыла Людовика XV и начинается со второго этажа, где в восьми залах, украшенных картинами и бюстами, выставлены предметы, связанные с Наполеоном, Марией Луизой и их сыном, королём Рима. Спустившись по центральной лестнице, ведущей на первый этаж, в анфиладе из семи комнат можно познакомиться с вещами, принадлежавшими членам императорской семьи. Помимо предметов искусства и фамильных сувениров, здесь экспонируются мебель, часы, бронзовые изделия, созданные во времена Первой империи.

Заключение

Франция – классическая страна туризма, самое популярное туристское направление в мире. Она принимает 10% международных туристских потоков (75,1 млн. прибытий в 2004 г.) и по этому показателю с большим отрывом лидирует на глобальном туристском рынке. Велико экономическое значение туризма во Франции. Его доля достигла 6% ВВП страны (для сравнения: доля сельского хозяйства в 2 раза меньше). Сальдо платёжного баланса по статье «Туризм» составляет весьма значительную сумму: 9,8 млрд. евро в 2004 г. В туристской индустрии занято около 1 млн. работников. Эта цифра возрастает примерно вдвое, если принять во внимание рабочие места, созданные в смежных с туристским сектором отраслях.

Наши исследователи с помощью специальной экспертной системы, попытались оценить по 100-балльной шкале, насколько красочно был представлен в рекламной кампании 2000 г. образ страны, на чем фирмы акцентировали внимание потенциальных клиентов. Так вот, общий показатель привлекательности Франции был почти беспрецедентным – более 86. Главные составляющие туристского имиджа Франции – особенности ее городской архитектуры, памятники, музеи, дворцы, замки. На втором месте – национальные традиции, язык, кухня, местный колорит. Часто обращают внимание и на ландшафтно-географические особенности.

Список использованной литературы

1)  Абеляшева, Г.В. Фонтенбло. Во-ле-Виконт. Версаль / Г.В. Абеляшева. – М.: Искусство, 1995. – 226 с.

2)  Аксёнова, М. Музеи мира / М. Аксёнова, О. Елисеева, Т. Евсеева. – М.: Мир энциклопедий Аванта+, 2007. – 184 с.

3)  Брежнева, А.Ф. Королевский замок Фонтенбло: Альбом / А.Ф. Брежнева. – М.: Астрель, 2004. – 148 с.

4)  Брунов, Н. Дворцы Франции XVII и XVIII веков / Н. Брунов. – Ленинград: Изд-во всесоюзной академии архитектуры, 1938. – 256 с.

5)  Гоинг, Лоренс. Живопись Лувра / Лоренс Гоинг. – Нью-Йорк: Стюарт, Тэбори&Чанг,1997. – 432 с.

6)  Грицкевич, В.П. История музейного дела до конца XVIII века / В.П. Грицкевич; Санкт-Петербург.гос. ун-т культуры и искусств. – 2-е издание, исправленное и дополненное. – Спб.: Спб ГУКИ, 2004. – 408 с.

7)  Грицкевич, В.П. История музейного дела конца XVIII – начала XX века / В.П. Грицкевич; Санкт-Петербург.гос. ун-т культуры и искусств. – 2-е издание, исправленное и дополненное. – Спб.: Спб ГУКИ, 2007. – 336 с.

8)  Ионина, Н.А. 100 великих музеев / автор-составитель Н.А. Ионина. – М.: Вече, 1999. – 508 с.

9)  Калитина, Н,Н. Музеи Парижа / Н.Н. Калитина. – М.: Искусство, 1986. – 238 с.

10)  Кеменов, В.С.Художественное наследие и современность. От Леонардо да Винчи до Рокуэлла Кента (Сборник статей) / В.С. Кеменов. – М.: Изобразительное искусство, 1989. – 320 с.

11)  Конькова, Е.А. Версаль / автор-составитель Е.А. Конькова. – М.: Вече, 2002. – 134 с.

12)  Лысикова, О.В. Музеи мира: учебное пособие к интегрированному курсу «Музеи мира» / О.В. Лысикова. – 3-е издание. – М.: Флинта: Наука, 2007. – 128 с.

13)  Максаковский, В.П. Всемирное культурное наследие / В.П. Максаковский. – М.: Агентство «Издательский сервис» «Логос», 2002. – 258 с.

14)  Мосин И.Г. Всё о музеях мира / И.Г. Мосин. – СПб.: СЗКЭО «Кристалл». – М.: Оникс, 2007. – 176 с.

15)  Розенблюм, Роберт. Живопись. Музей д’Орсэ / Роберт Розенблюм. – М.: Международная книга, 1998. – 468 с.

16)  Серюльяс, Морис. Крупнейшие музеи мира. Лувр / Морис Серюльяс. –Астрель, 1998. – 376 с.

17)  Строгов, Мишель. ЛеПтиФюте. Путеводители XXI века, века культуры и туризма / Мишель Строгов, Доминик Озиас, Пьер-КристианБроше. – М.: Авангард, 1994. – 182 c.

18)  Фезер, Томас. Сокровища человечества. Памятники истории, культуры и природные заповедники под охраной ЮНЕСКО / Томас Фезер. – М.: БММ АО, 1997. – 164 с.

19)  Юренева, Т.Ю. Музееведение / Т.Ю. Юренева. – М.: Академический проект, Трикста, 2004. – 486 с.

20)  Юренева, Т.Ю. Художественные музеи Западной Европы: История и коллекции: Учебное пособие / Т.Ю. Юренева. – М.: Академический проект; Трикста, 2007. – 338 с.

21)  География туризма: учебник / кол. Авторов; под ред. А.Ю. Александровой. – М.: КНОРУС, 2008. – 592 с.